SOLO CINE CLÁSICO

Psycake!

2011-12-13T21:48:00.000+01:00

jajajaja, no he podido evitarlo!

Películas - Años 60: El Apartamento (1960)

2011-07-12T03:50:00.000+02:00

THE APARTMENT (9/10)

Vamos con una peli de las bien clásicas. El apartamento es una comedia dramática en todo regla, realizada de manera admirable (nada que ver con muchas de las comedias dramáticas de hoy en día :S). Un hombre, uno entre quichicientos empleados despersonalizados de una empresa, tiene como característica un departamentito (donde casi vive) que presta como bulín a los empleados más jerárquicos de la empresa , en busca de algún ascenso en algún momento. Y a partir de allí, se teje toda la trama.

Como cosa en contra para nombrar, hay pocas, se podría decir que el desarrollo es un poquitín extenso, y de ratitos pierde un tanto el ritmo, pero no es algo demasiado marcado, ni que moleste mucho al visionado. Otra cosilla es aquella voz en off del principio, altamente efectiva, pero habría que analizar si justificada, aún así cumple con creces con lo que se propone.

Todo lo demás es genial, pero destacan:

La actuación principal (Jack Lemmon): que logra construir un personaje con características algo contrapuestas, por un lado muy histriónico, por el otro muy sometido, sin por eso sonar forzado, todo lo contrario, se hacen creíbles ambas cualidades, además de estar interpretadas maravillosamente, sobre todo la faceta histriónica.

El guión, que aún contando una historia sencilla, le sabe encontrar sus “temas secundarios” y por sobretodo, tiene un excelente uso de los detalles que engarzan en la trama de manera extraordinaria y natural, para volver a retomarlos en el momento justo. Un gran acierto.

La dirección (Billy Wilder) es otro punto bueno, que saca el mayor provecho de la escena, teniendo algunas un montaje justo y admirable, como por ejemplo ese inicio cargado de datos con la voz en off e imágenes de la ciudad, para llegar de a poco a la oficina donde se encuentra el personaje de la voz, que no es otra cosa que una persona más entre miles de personas ubicadas simétricamente en un gran salón. El sentido que cobra ese final de la secuencia (dado por supuesto por todo lo anterior) es digno de admiración. De estas maravillas, hay más a lo largo de la peli. Y es que otra cosa que se supo aprovechar es el espacio, con una dirección de arte ganadora del premio Oscar (aunque los Oscar me tienen sin cuidado, pero esta vez la dirección artística merece reconocimiento), que cuenta con espacios propicios para (junto con una dirección que lo aprovecha) transmitir las diferentes sensaciones que la trama requiere. Además contamos con una fotografía (Joseph LaShelle) en blanco y negro, para nada despreciable.

Y un final que no se vuelve empalagoso, en completa concordancia con lo que se venía contando.

Peli altamente recomendable!!! Les dejo los primeros 15 minutos, que incluyen la secuencia inicial de la que hable en la reseña (tiene opción para traducir los subtítulos).

Películas - Años 30: Sin Novedad en el Frente (1930)

2011-05-09T22:48:00.004+02:00

ALL QUIET ON THE WESTERN FRONT (10/10)

"Este relato no es una confesión ni tampoco una acusación, y mucho menos

una aventura, ya que la muerte no es ninguna aventura para quien se enfrentan

a ella cara a cara. Sencillamente trata de hablar de una generación de hombres a

quienes a pesar de haber escapado de las bombas, la guerra destruyó."

Creo que estamos ante la tercera pieza que forman el triunvirato de grandes películas bélicas de la historia. El nombre del género es bélico, pero muchos lo llaman anti-bélico, y suele ser así. La gran mayoría de las películas bélicas (salvo las propagandísticas) suelen serlo, ya que muestran los horrores de la misma.

All Quiet on the Western Front, Paths of Glory y The Thin Red Line. Yo a esta tres cintas prefiero llamarlas pro-humanas, y es porque muestran sin pudor ni adorno, con toda su credeza y también belleza, lo bueno y lo malo del ser humano en un conflicto bélico. La cinta de Malick muestra la unión entre la vida, la naturaleza, la tierra, lo bello y la destrucción. La de Kubrick denuncia el poder del alto mando y la indiferencia de este sobre el inferior. Sin novedad en el Frente es una de las pioneras en mostrar, no solo los horrores de la guerra con un realismo impropio para época, sino en plasmar la decepción y el engaño que sacudió a los hombres que lucharon sin recordar muy bien por qué, para qué o para quién.

La acción comienza en un pueblecito de mi amada Alemania donde los soldados desfilan por las calles mientras que un vigoroso profesor hace una candente proclama sobre el patriotismo aleman, y el deber de los hombres de defender su país y dar la vida. Sin duda alguna es una escena muy importante para la película, sino tanto por la forma, como por el contenido.

Los jóvenes corren a alistarse con ensoñaciones y fantasías. Por fin visten los mismos trajes que los hombres a los que admiran. De un momento a otro se han convertido en hombres... y no es el principio de la madurez, sino el final de la infancia.

Nada más llegar al frente se dan cuenta de lo que es en realidad. Hambre, cansancio, suciedad, miedo, desengaño, locura... roban comida, tiemblan de miedo ante las balas enemigas, pierden los nervios por los incesantes bombardeos, contemplan como miles de enemigos corren hasta ellos entre el fuego de las ametralladoras y las bombas.

Paul, el protagonista va perdiendo poco a poco a todos sus amigos y su carácter se vuelve mucho más duro e indiferente. Para ello contamos con una magnífica escena que nos devuelve casi al principio de la película, donde un destrozado Paul retorna a su pueblo y va a visitar a su maestra que sigue comiendo la cabeza a sus alumnos sobre lo bello de la guerra y el morir por tu país; el maestro pide a Paul que corrobore sus palabras con su vivencias personales. El joven no puede más que decir la verdad, explicar lo asqueroso del asunto, y admitir que no hay gloria, solo ratas y muertos. Al poco ve que eso ya no es para él, no puede seguir con personas que viven ajenas a lo que realmente ocurre en el frente.

Estamos ante una de las grandes joyas del cine. Su director Lewis Milestone consiguió un producto digno de estudio. Para empezar, el realismo. Usaron como asesores en el diseño de producción a veteranos alemanes de la primera guerra mundial. Las fidedignas recreaciones de las trincheras obligó a las autoridades sanitarias a mandar un equipo de inspección. El montaje y los movimientos de cámara sigue a los soldados en las mejores escenas de lucha por el embarrado campo. El hecho de que los protagonistas no fueran estrellas ayuda por un lado a la identificación con los personajes y al no poner una cara en concreto a los jóvenes que lucharon en dicha guerra.

La película ganó el Oscar a Mejor Película y Mejor Director.

Setenta años después, la cinta sigue estando a la altura de las más modernas producciones bélicas, y en la mayoría de los casos, por encima.

Películas- Años 50: Sed de Mal (1958)

2011-04-23T04:22:00.005+02:00

TOUCH OF EVIL (9/10)

Una de las películas destacadas de Orson Welles, aunque no la mejor. Resulta difícil criticarla porque contiene muchos ingredientes sobresalientes, pero hay que decirlo (y más conociendo de lo que era capas este hombre, quizá por eso me pongo aún más pretenciosa) existen muchas otras cosas mejorables en la cinta.

Vale aclarar en su defensa que la cinta sufrió incontables traspiés y que lo que vemos es una aproximación a lo que Welles quería (realizada 15 años después de su muerte) ya que la productora en su momento no solo estreno una edición modificada de lo que él había hecho sino que además le agregaron escenas filmadas a sus espaldas.

Aún así, se nota su arte, su estilo. Forma parte además de un época en que los géneros (prácticamente todos) mutaban, siendo Sed de mal (Welles) y Atraco perfecto (Kubrick) dos de los exponentes más importantes de este cambio en lo que a cine policíaco se refiere (1).

Sed de mal nos muestra un personaje (Quinlan) sombrío y decadente pero respetado dentro del ámbito policial, muy bien interpretado por Welles, que lleva a cabo una investigación a raíz de una bomba que explotó en la frontera entre México y Estados Unidos. A dicha investigación se le suma Vargas (policía mexicano) que se encontraba en el lugar al explotar la bomba, a punto de comenzar su luna de miel con Janet Leigh

Por momentos, sobre todo al principio, cuesta ubicarse en qué lado de la frontera estamos, cosa que (creo yo) aporta un plus a la oscuridad de la trama.

Luego se van desarrollando tres frentes de acción, uno que sigue a Vargas, otro a Quinlan, y otro a la mujer de Vargas. Y a medida que dicha investigación avanza, también se va dibujando más este trato incisivo entre mexicanos y estadounidenses, la desconfianza, las amenazas, pactos, etc, que otorgan a la película un ir y venir de conflicto constante y creciente.

Y ahora me detengo en lo que más se habla de la peli, el plano secuencia inicial. Que no solo tiene maestría técnica, sino dramática, y que por si fuera poco, esta al comienzo. Ya sabemos lo importante que son para una película sus primeros minutos, y cuánto hacen estos para que nos mantengamos frente a la pantalla y cuántas veces logran que definitivamente dejemos de mirar. Con los 5 primeros minutos de Touch of Evil, uno queda enganchado sin dudar, no hay forma de olvidarse de esa escena, no hay forma de no admirarla. Poco importa si después encontramos alguna cosa que no nos guste mucho (aunque son pocas), esos primeros cinco minutos logran un enganche tan fuerte que uno ya ahí mismo decidió ver la peli hasta el final. Ya lo decía Hitchcock, y yo lo repito a cada rato: “poné una explosión y tendrás sorpresa, mostrale al público un bomba a punto de detonar y tendrás suspenso”. (no lo dijo exactamente así eh). Y así empieza la peli, paseamos de un plano detalle de la bomba, para seguir al hombre que la tiene en sus manos (ensayadísimo momento en el que nunca se le ve el rostro), luego vemos como pone la bomba en un auto, mientras los dueños del auto se acercan a este, y la cámara sigue al auto de una manera extraordinaria, dando ritmo, acercándose cuando es necesario, deteniéndose por momentos, en una escena que es UNA SEÑORA ESCENA.

En cuanto a esas escenas mejorables, no vamos a entrar en detalles, pero se nota por momentos que la acción es actuada, como por ejemplo en la pelea del bar que mantiene Vargas con parte del grupo mafioso, en donde vemos movimientos bastante acartonados y diálogos algo forzados. Lo mismo pasa con algunas cuestiones de la trama que suenan algo descolgadas, como dejar a la mujer de Vargas en un hotel cuyo dueño es su enemigo, o cosas por el estilo.

Pero aún así, no todo en esas escenas es inapropiado. En la escena del bar nos encontramos con un momento clave narrativamente, donde la cólera y desesperación de Vargas (a raíz de lo acontecido con su esposa) no lo aleja tanto del capitán Quinlan y de aquello que en él critica.

La lógica del hotel, aunque algo forzada, no deja de funcionar de maravillas; primero si pensamos que no es justamente el esposo quien deja a la mujer allí, y sumándole a esto que ambos sectores policiales mantienen muy poco cuidado el uno por el otro. Ni hablar, que esto le suma al relato, otro punto de acción dramática que unido a los demás, se retroalimentan en suspenso y conflicto.

Si hablamos del enfoque, las escenas tienen planos “raros”, inclinados, personas tomadas desde lugares poco “prolijos” si se quiere, pero muy dramáticos.

El blanco y negro es esencial, carga a toda la película del ambiente necesario, una delicia ver la trama en esos dos colores. Y es que uno siente que el policial, es aún más fuerte en blanco y negro. Russell Metty fue el encargado de jugar con esos dos colores, de una manera formidable.

Las actuaciones están todas a la altura de la trama, los secundarios también destacan, como el tío de la mafia o el encargado del hotel, por mencionar solo algunos. Las miradas de Marlene Dietrich, en un papel pequeño pero contundente, son sencillamente perfectas.

Se corre el rumor que la dirección de esta película cayó en manos de Welles a través de un equivoco, y él rehizo el guión en unas pocas semanas, por lo que puede suponerse que algunos fallos tengan que ver con eso. Así y todo, la película es un ejemplo de cómo generar suspenso, subtramas, profundidad dramática y acción. Touch of Evil, es mucho más que un policial negro o mejor dicho, como debería ser todo policial negro, habla no solo de los hechos puntuales sino del entorno, dándole importancia a pintar también el entramado psicológico y social donde esos hechos acontecen.

Les dejo el plano secuencia que les mencionaba.

Y no se puede negar que la música acompaña perfecto, así que aclaremos, corrió por cuenta de Henry Manzini.

(1) A decir del historiador cinéfilo Gubern, pero con mis palabras ;D

Películas- Años 40: Rebeca (1940)

2011-04-08T19:01:00.006+02:00

REBECCA (10/10)

Anoche soñé que volvía a Manderlay.

Estamos ante la primera incursión en el cine norteamericano de Alfred Hitchcock, y son películas como estas en su haber las que dan fe de porque su nombre está con lo de los más grandes cineastas de la historia.
De la amplia y extensa filmografía de Hitchcock, el primer puesto se lo otorgo a esta obra maestra de la narrativa y tensión. Sencillamente magnífica.

Al poco tiempo de perder a su esposa Rebeca, el aristócrata inglés Maxim De Winter (Laurence Olivier) conoce en Montercarlo a una joven humilde (Joan Fontaine), dama de compañía de una señora americana. De Winter y la joven se casan y se van a vivir a la mansión inglesa de Manderley, residencia habitual de De Winter. Pronto la señora Winter se da cuenta de que no puede borrar en su marido el recuerdo de su difunta esposa.

Para empezar, el desarrollo de los personajes es soberbio (no son pocos, son los necesarios). La joven e ingenua americana que acaba con un apuesto aristócrata británico; este mismo; la siniestra dama de llaves; el mayordomo; el mejor amigo del aristócrata; el rufián de turno; el comisario que está a punto de jubilarse; y el persona principal y mayúsculo, del cual no veremos ni una mísera fotografía, REBECA.

Es el personaje omnipresente, no aparece en ni una sola escena, pero no deja de estar presente. La película trata sobre una relación y su entorno, y nos encontramos ante un triángulo amoroso de dos, ya que el tercer miembro es Rebeca, la difunta esposa de Max. Todo aquel que la conoció no habla más que maravillas de ella. Era poco menos que una diosa mortal bajada de los cielos, cuya exquisita vida truncó el azar y una tormenta haciendo que se ahogara en el mar.

La joven americana ha de combatir el recuerdo de Rebeca y la sombra que le hace la misma difunta. No sólo con la familia o amigos de su marido, sino con los propios criados, los cuales adoraban a Rebeca y ahora se encuentran a una joven de su misma clase social en su puesto.

La tensión llega a ser brutal, con un desarrollo de la historia trepidante que hoy no quiero desvelar ya que espero que veáis la cinta y comprendáis mi euforia al hablar de esa joya.

Un detalle curioso es que el personaje de Fontaine aparece en la totalidad de la historia pero nunca sabemos su nombre. Justo lo contrario que el de Rebeca. Como si en cierto modo, su sino fuera convertirse en la nueva Rebeca.

La cinta logró 11 nominaciones haciéndose con dos, Mejor Fotografía en blanco y negro y Mejor Película, superando a película como Las Uvas de la Ira, Historias de Filadelfia o El Gran Dictador. Joan Fontaine, de la cual me enamoré perdidamente en esta historia, logró una nominación aunque no pudo hacerse con ella.

Y aquí os dejo con la anécdota de la semana. Laurence Olivier mantenía por entonces una relación con Vivian Leigh, a la que quería para el papel de Joan Fontaine. Al no conseguirlo, Olivier trató friamente durante todo el rodaje a esta. Hitchcock llegó a decirle a Fontaine que todo el equipo la detestaba, haciéndola más tímida e insegura, justo lo que él quería que reflejara el personaje.

P.D.: El poster... era el que más me gustaba.

Películas Años 40 - Las Uvas de la Ira (1940)

2011-04-04T23:12:00.006+02:00

THE GRAPES OF WRATH (10/10)

John Ford es el director más galardonado en los Oscar, tiene 4. Y aunque hoy en día tienen muy poco prestigio, que se lo ha ganado a pulso, sí que es verdad que los premios de la academia son los premios de la academia y cuando no la cagan saben reconocer una buena película. Ford es conocido por sus Westerns (La Diligencia, Centauros del desierto, Quién mató a Liberty Valance… todos unos señores westerns), pero su realización no se quedó ahí. El listado de películas que dirigió es inacabable, pero entre ellas y aparte de los westerns destacan Un hombre tranquilo, Que verde era mi valle y Las Uvas de la Ira (por las tres películas se llevó el Oscar a mejor director). Por tanto podemos decir que más allá de los premios John Ford es uno de los mejores directores de la historia del cine.

Las Uvas de la Ira es la adaptación de la novela de John Steinbeck (que recibió el premio Pulitzer y que me leeré en cuanto tenga un poco de tiempo) del mismo título y nos cuenta la odisea que tuvieron que pasar la familia Joad como consecuencia de la Gran Depresión. En las clases de historia te lo cuentan, el crack del 29 hizo quebrar todos los bancos, la economía americana se fue a la mierda y por consiguiente la Europea Occidental que maltrecha después de la Segunda Guerra Mundial, dependía de los americanos. Cifras y más cifras, pero en esas clases de historia falta la parte humana, la cantidad de gente no solo se quedó sin trabajo, la cantidad de gente se que quedó sin hogar, gente que tuvo que viajar engañada por la falsa concepción del sueño americano y de la soleada, brillante y con trabajo para todos California.

Ese retrato de miles de familias anónimas que los años han dejado en el olvido lo personifican los Joad, familia humilde que después de que el banco se apropiara de su tierra deciden ir a recoger fruta a California. En el film vemos como verdaderamente lo último que se pierde es la esperanza. Vemos la lucha constante de una familia que a duras penas puede comer todos los días, pero que sin embargo está unida. Esa unión hace la fuerza y les permite seguir adelante. Y en esa humanidad que destila cada fotograma rodada como una amarga road movie residen las virtudes de la película. Cada escena, cada fotograma de la película parece la historia de cualquier fotografía de Dorothea Lange.

Fotografía de Dorothea Lange

“Yo estaré en todas partes, en todas partes donde quiera que mires, donde exista una posibilidad de que los hambrientos coman, allí estaré, donde exista un hombre que sufra allí estaré, y estaré en la risa de los niños cuando sientan hambre y la cena esté ya preparada, y cuando los hombres coman de la tierra que trabajan y vivan en las casas que levanten, allí también estaré.” Con esta frase, el personaje de Tom Joad se ha convertido en ese espíritu, ese fantasma (tal y como nos cuenta Springsteen en su canción y como él mismo nos dice al final de la película) presente en todas las desgracias. El antihéroe que lucha una pelea perdida de antemano.

Quizás me mosqueó un poco ese oasis de falsa felicidad dado a las medidas del New Deal de Roosevelt para salir de la crisis. Ese mini-mundo casi perfecto que rompe con el pesimismo y realismo de la película. Y ese doble final, que aunque ambos conmovedores me hubiera quedado con el fundido negro después la conversación entre Tom Joad y su madre.

Para los que hemos visto la película, al oír Tom Joad no podemos evitar ponerle ese rostro y figura delgada de Henry Fonda. Y es que el actor hace una interpretación que pasará a los anales, la personificación de todo un colectivo. La interpretación de un hombre que después de salir de la cárcel intenta vivir con su familia pero la situación le sobrepasa y se ve obligado a sacrificarse. Jane Darwell interpreta al otro pilar de la familia Joad, a la madre. Un sufrido a la par que agradecido personaje que le valió un Oscar. La encargada de mantener unida la familia y de dar fuerza a todos para seguir adelante después de que Tom se fuera. Ambos mantienen una relación que bien podría simbolizar el fuego familiar, la unión. Ambos nos ofrecen diálogos sinceros y sin tapujos, y miradas melancólicas. Otro personaje muy interesante es el de Casey, un ex predicador que ha perdido su vocación porqué se ha dado cuenta que se enamora de todas las chicas que van a confesarse. Un personaje cómico que nos gana el corazón pero muy amargo. Interpretado por Carradine.

Como conclusión Las Uvas de la Ira (Grapes of Wrath) es una de esas películas imprescindibles que por alguna extraña razón que no logro comprender el paso de los años la ha dejado en un escalón inferior a películas clásicas como Casablanca y Lo Que El Viento Se Llevó, cuando en realidad las puede mirar de tú a tú. Una historia desgarradora acentuada por una muy buena fotografía y banda sonora y unas interpretaciones memorables.

Películas - Años 20: La Pasión de Juana de Arco (1928)

2011-04-03T18:08:00.010+02:00

LA PASSION DE JEANNE D´ARC (10/10)

Lo primero que vemos son unos títulos sobre la música de la obra. Téngase en cuenta que se rodó en 1928 por lo que sencillamente nos dicen que la película inspiró al compositor Richard Einhorn para componer esta magnífica banda sonora que encaja, no solo a la perfección, sino que aumenta la intensidad y la emoción de la cinta a niveles seguramente impensables para su director.

Tras esto, y los primeros carteles presentando la cinta, aparecen otros acompañados de la primera melodía de la banda sonora:

Rodada en Francia en 1927 por Carl Th. Dreyer, La Passion de Jeanne D´Arc fue víctima de varias ordalías. Censurada antes de su estreno en 1928, el negativo original fue quemado en el fuego. Un segundo negativo reeditado por Dreyer con otras tomas también se perdió en el fuego.

Durante más de medio siglo, esta gran clásico del cine fue unicamente conocido en copias mutiladas, o una versión sonorizada la cual tiene poco que ver con la original.

Pero en 1981, una copia danesa original, completa y en muy buenas condiciones, fue milagrosamente descubierta en un armario de un institución mental noruega. Gracias a la ayuda de Ib Monty, Director del Museo Danes de Cine, y de Maurice Drouzy, quien reestableció el texto en francés, la Cinemateca Francesa ha sido capaz de reconstruir esta versión francesa, seguramente muy fiel a la original.

***

En la Cámara de los Diputados de París se conserva uno de los más extraordinarios documentos de la historia mundial: el diario de las sesiones del juicio a Juana de Arco, juicio que terminó con su muerte. Las preguntas de los jueces y las respuestas de Juana fueron trascritas al pie de la letra.

Leyéndolas descubrimos a la auténtica Juana... no a la Juana de armas sino a la sencilla y humana, una joven que murió por su país, y somos testigos de un drama sorprendente: una joven, piadosa muchacha enfrentada a un grupo de teólogos ortodoxos y poderosos jueces.

Que junto a la música aparezca una introducción sobre la película tan interesante hizo que se me pusiera la piel de gallina. Estaba tumbado en mi cama seguro de que me preparaba para ver una obra maestra, y de hecho fue así.

No podemos decir que sea una cinta biográfica al completo de la vida de Juana de Arco (1412-1431), como si podría ser la versión de Luc Besson; sino más bien centrada en el juicio celebrado contra Juana y su posterior ejecución.

A modo de introducción, Juana de Arco fue una joven francesa que dirigió a los ejércitos franceses en 1429 durante el Asedio de Orleans y otras batallas, logrando la victoria y la coronación del rey frances Carlos VII. Posteriormente fue apresada y entregada a los ingleses, los cuales la condenaron a la quema por herejía. Actualmente es la patrona de Francia y una de las principales figuras de su historia.

La película es, en casi su totalidad, un galería de primeros planos tanto de Juana (una bellísima y magnífica Maria Falconetti) como de sus jueces lo que plasma de modo más directo sensaciones como la ira, la angustia, el terror o la malicia.

Juana es interrogada sobre su vida y su relación con Dios, y creo que fue un gran acierto por parte de su director, Dreyer, basarse en las actas originales, ya que resulta emocionante revivir las auténticas respuestas de una figura como la de Juana de Arco y ver sus respuestas. Algunas con miedo, otras con duda, en ocasiones vemos entereza y pasión, temor e ingenuidad en otros, pero ante todo vemos a la auténtica Juana.

Es tal la belleza en la que se recrea, el ritmo de la cinta, esa ingente cantidad de primeros planos de Maria Falconetti, la música de Einhorn, la fotografía en blanco y negro, y el efecto que causa sobre el espectador la cinta que puedo decir que quizás sea de las mejores películas de la historia y pocos puedan recriminármelo.

Más fácil imposible, desde este enlace podréis ver la película.

Películas - Años 50: Un condenado a muerte se ha escapado (1956)

2011-03-22T19:48:00.005+01:00

UN CONDAMNÉ À MORT S´EST ÉCHAPPÉ (9/10)

Si mi madre pudiera verme...

Las obras maestras lo son, además de porque lo reconocemos con parcialidad, porque nos gustan; y siempre he creido que hay dos tipos. Las que se sustentan en una buena historia, original, compleja y bien hecha; o las que tienen la historia más simple pero mejor narrada y dirigida. La película de hoy pertenece al primer tipo. Ya veréis porqué.

Fontaine es un joven perteneciente a la resistencia francesa durante la ocupación alemana del país. Ha sido capturado y es llevado a la prisión de Fort Montluc, Lyon. Desde el primer momento intenta escapar aunque no lo consigue. Ya en prisión, su única motivación es fugarse, por lo que comienza a planearlo. Seremos testigos de cada paso que da Fontaine (François Laterrier) hasta llegar al momento decisivo.

Es así de simple. Capturan a un tipo y este decide fugarse. Películas como estas hay a patadas, pero sería impensable ponerla en el montón, no. Esta película es especial. Y ojo, no habla en ningún momento de fraternidad, esperanza o amor como The Shawshank Redemption, otra obra maestra del género, no. La clave de esta cinta, además de su sencillez, es el modo en que fue rodado.

En cierto modo me recordó a 12 Angry Men ya que esta primera fue rodada casi exclusivamente en la habitación donde el jurado meditan, e incluso a la más reciente Buried, donde tanto protagonista como público se pasan la cinta entera en un ataúd. Digo todo esto porque en Un Condamné à mort s´est échappe ocurre casi lo mismo. Únicamente tenemos a Fontaine en su celda maquinando el modo de fugarse en V.O. Paseando de un lugar a otro; tratando de truca la puerta; rompiendo las baldas; paso a paso del que somos testigos a su vez que padecemos la angustia de ser descubierto antes de tiempo y de que el plan salga bien. En unas cuantas escenas vemos como baja junto a otros presos a un diminuto patio a asearse donde no pueden hablar.

Merece mil y un elogios la habilidad con la que se usó la fotografía para dar una mayor sensación de aprisionamiento. Primeros planos tanto de los personajes como de partes de sus cuerpos, manos, ojos; como de objetos.Como cuando se mueve, muestra lo que debe y deja a la imaginación del espectador lo demás.

Llegados a un punto avanzado de la historia, cuando queda poco para su fuga, le es asignado un compañero de celda, un joven frances del que Fontaine sospecha y con el cual llegará al punto de pensarse el liquidarlo o no.

Y no solo eso, porque hay otro gran protagonista en la película, y es el silencio. El silencio en el que el tío maquina todo su plan, en el que lo pone en marcha, el silencio que invade por la noche la prisión y la atención a cualquier ruido que suponga un indicio de la llegada inminente de guardias.

Así es casi toda la cinta. La única música que escuchamos en ocasiones, Mozart: 7 fragmentos del movimiento del "Kyrie Eleison" de la Gran Misa, K. 427.

Por esta cinta, el particular director francés Robert Bresson se llevó el premio a Mejor Director en Cannes.

"El viento sopla donde quiere, y aunque oyes su

ruido, no sabes de dónde viene y a dónde va".

Películas - Años 50: Los Siete Samuráis (1954)

2011-03-09T00:16:00.005+01:00

SHICHININ NO SAMURAI (10/10)

Incluso los osos salen de los bosques

cuando tienen hambre.

Otro 10 en apenas una semana. Sí, he tenido la suerte de ver varias obras maestras últimamente y pienso escribir sobre ella siempre que pueda.

Akira Kurosawa era un conocido director en Japón, e internacionalmente se había hecho un nombre gracias a su película Rashomon, que ganó el Leon de Oro de Venecia. Pero sería en 1954 al estrenar su gran obra maestra, Los Siete Samuráis, cuando se daría a conocer por todo el mundo.

En el Japón feudal, un pequeño pueblo de aldeanos es continuamente atacado por forajidos que les quitan la comida. La situación es desesperante y no saben que hacer, hasta que uno de los miembros del pueblo decide ir a la ciudad y contratar samuráis para que los protejan de los bandidos.

No tienen dinero, por lo que les pagarán con comida. La misión no reportará fama ni fortuna. El orgullo de los samuráis es algo que jugará en contra de los aldeanos, pero que en cierto modo es paradójico, ya que finalmente conseguirán siete auténticos samuráis, justos y puros de corazón. Capaces de aparcar el típico papel de samurái para emplearse a lo que se deben en realidad. Samurái significa "servir", o "aquellos que sirven" .

Cada uno tiene una personalidad distinta pero que no choca entre ellas, y que hará de los samuráis, un curioso y complementario grupo de amigos.

Tras la llegada de los samuráis al pueblo, veremos el respeto y miedo de los aldeanos hacia los guerreros. Kurosawa decide mostrar también el lado más humano de estos al interactuar con los aldeanos y sentir que al proteger la aldea, están protegiendo una parte de si mismos. Pero no por ello deja de mostrar el poder de los samuráis, quizás con el personaje más interesante de toda la cinta, Kikuchizo (Toshiro Mifune) que en su tiempo fue aldeano y sufrió por ello.

Sin ánimo de destripar el final, no puedo finalizar sin mencionar que quizás lo mejor de la cinta, en mi opinión, es la conclusión final a la que llega el maestro samurái cuando ve a los aldeanos festejar la victoria sobre los bandidos junto a las cuatro tumbas de los samuráis.

-Otra vez hemos sido derrotados. Los ganadores

son los campesinos y no nosotros.

Más de tres horas de acción, humor, drama, sin que el ritmo caiga ni un ápice. La película se pasa rápida, y eso es sólo una de las muestras de la gran maestría de Kurosawa. Cabe destacar, además de la excelente dirección del "emperador", el magnífico diseño de producción, las interpretaciones, y las numerosas reflexiones a las que invita la cinta al espectador. La anteriormente mencionada es solo una de ellas. El propio personaje de Mifune es una de ellas a lo largo de toda la película.

La película fue un gran éxito que impresionó tanto a crítica como a público, e influiría a lo largo de los años a gran número de cineastas.

Tuvo su primer remake en 1960, protagonizado por Yul Brynner, donde la acción principal se traslada al oeste donde siete vaqueros protegen a un pueblo de los ataques de los bandidos.

Películas - Años 20: El Gabinete del Doctor Caligari (1920)

2011-03-05T18:52:00.005+01:00

DAS KABINET DES DR. CALIGARI (10/10)

Abrochaos los cinturones, que os voy a hablar brevemente acerca de una obra maestra del cine de terror.

Dos amigos, Francis y Alan deciden ir al carnaval del pueblo de Holstenwall, en Alemania. Al mismo llega el Doctor Caligari con un aterrador número, el de Cesare, un sonámbulo al que el doctor despertara como si de un zombie se tratase y hará que responda cualquier pregunta. Alan es el primero en probar a Cesare preguntándole sobre la fecha de su muerte; Cesare contesta: mañana. Al día siguiente amanece muerto, por lo que Francis sospecha de Caligari y Cesare. Aquí empieza a cobrar emoción la historia de un modo desenfrenado, con un estilo casi impropio de aquella época (más de 90 años hace ya), y que os sorprenderá a todos con un final propio de los mejores thrilles modernos. Una verdadera OBRA MAESTRA.

Para los más cinéfilos, merece la pena comentar puntos como que esta es la primera obra del genero expresionista alemán en el que prima lo subjetivo sobre lo objetivo, y del que hablaremos muy pronto. Podríamos incluir grandes cintas como Nosferatu, El Último, Fausto o Metrópolis.

En un principio los productores querían que Fritz Lang se sentase en la silla del director, pero tuvo que rechazarlo para filmar Die Spinnen. Finalmente fue Robert Wiene quien se haría cargo del proyecto, filmando así la mejor obra de su carrera.

Aunque la cinta viene firmada por Carl Mayer y Hans Hanowitz, fue Wiene (a petición de los productores) el que incluyó la primera y última escena de la cinta lo que cambia por completo el final y toda la historia en si. No quiero soltar spoilers a diestro y siniestro, así que simplemente os recomiendo una vez más que veáis la película.

La idea principal de la historia era denunciar al estado alemán por la situación del país tras el fin de la guerra, comparando al Doctor Caligari con el propio estado alemán que induce al sonambulismo y a perpetrar crímenes contra si mismo.

Otro detalle que hace, sino única pionera, a esta cinta es el diseño de producción, en especial con los decorados. Estos tenían formar extrañas, con ángulos imposibles y bizarros que se asemejaban a los de una "mente retorcida". Esto ayuda a crear un ambiente de tensión e incomodidad durante toda la historia.

El maquillaje de los actores, lo exagerado de sus actuaciones, objetos deformados, los contrastes de luces y sobras, la propia deformación de la realidad... todo ello crea una magnífica atmósfera de terror que más tarde inspiraría a cineastas como Tim Burton, David Lynch o Terry Gilliam.

Además, he visto similitudes entre esta cinta y Shutter Island de Martin Scorses, aunque este no la mencionase entre las películas que le habían servido de inspiración.

El personaje de Cesare, el sonámbulo, llegó a convertirse, junto a Charlot, en uno de los primeros personajes míticos de la historia del cine.

Películas - Años 60: Uno, Dos, Tres (1961)

2011-01-07T23:40:00.007+01:00

ONE, TWO, THREE (9/10)

Quizás una de las últimas obras maestras del genio Billy Wilder, y seguramente de las más originales y brillantes.

La acción transcurre en mi amada Berlin, aunque en el lado occidental, en plena guerra fría. C. R. MacNamara es el representante de Coca-Cola en Berlin, y su objetivo es traspasar la frontera para comerciar el refresco en la Unión Sovietica y así ascender para alcanzar el puesto de sus sueños en Londres. Pero entonces se le presenta una nueva oportunidad, Scarlett, la alocada hija de su jefe, es enviada un tiempo a Berlín al cuidado de MacNamara. Este cree poder controlar a la joven, pero nada más lejos de la verdad, ya que se entera de que se ha fugado todas las noches para reunirse con un joven comunista, Otto, con el cual se ha casado. MacNamara consigue deshacerse de él hasta que descubre que la chica está embarazada; es entonces cuando la acción cobra una velocidad aún superior a la anterior teniendo el viejo y conservador capitalista rescatar al joven e idealista comunista para convertirlo en todo un caballero alemán ante la inminente llegada de su jefe para descubrir a su nuevo "hijo".

Puede que la comedia más famosa de Wilder sea "Con faldas y a lo loco", pero creo que esta es la mejor ya que es la que está mejor trabajada, mejor escrita, dirigida, y cuyo mensaje es más crítico que nunca. La película en si es una coña a la propia guerra fría, y ello lo vemos reflejado en los distintos personajes, estereotipos de ambos lados. El protagonista, MacNamara, como decía anteriormente, viejo y conservador capitalista, frio, calculador, visionario, ambicioso, algo verde con una secretaria despampanante; Otto, joven comunista que cree en la patria y en el partido por encima de todo; la joven Scarlett, joven, pija e ingenua americana enamorada del revolucionario ruso; los tres rusos de la misión comercial, divertido guiño a los tres rusos de Ninothcka, también escrita por Wilder.

El tipo de humor de la película, cínico a más no poder. Se ríe de todo y de todos. La situación entre las dos grandes potencias; los defectos de una y otra; sus personajes. Un chiste detrás de otro, a un ritmo que te deja sin aliento y que no te permite reír sin perderte el siguiente. Personalmente siempre he creido que Wilder lo dio todo con esta película, y el resultado es maravilloso. Una interminable serie de gags, juegos de palabras, guiños históricos (el ayudante de pasado nazi, sensacional). Y otro final perfecto, durante toda la película Coca-Cola, sí, pero al final Pepsi; ¿lo entendéis? TODOS reciben. No podía ser mejor.

En serio, la comedia perfecta para pasar un buen rato si tiene un mínimo de inteligencia y cultura.

Los Simpson en el Cine Clásico... Dr. Strangelove

2010-10-29T01:09:00.002+02:00

DR. STRANGELOVE/ HOMER EL VIGILANTE (11x05)

Sencillamente genial. Gran homenaje a una de las escenas más grandes de la historia del cine.

Los Simpson

La Original

Un móvil en "El Circo" de Chaplin

2010-10-26T00:40:00.003+02:00

Aquí tenéis el argumento de una de ciencia-ficción homenaje al cine clásico. Un viajero en el tiempo llega hasta los años 20 con la idea de vivir en dicha época y participar en una película de Chaplin. Es más, consigue salir en una escena y todo, pero le suena el móvil y... bueno, la verdad es que el argumento es una mierda, pero la escena ya está hecha. Ahí tenéis:

Carrotblanca...Los Looney Toons en el cine Clásico

2010-10-21T11:44:00.003+02:00

Los Simpson no son el único producto con excelentes guiños al cine clásico. Los Looney Toones también se apuntan con un clásico de los clásicos: Casablanca. Con total libertad para parodiar los momentos más cómicos de la película al ser ambas ficciones de Warner Bros., consiguen un curioso producto donde cada personaje de dibujo interpreta su papel. Ver a Bugs Bunny como Humphrey Bogart no tiene precio. Y como una imágen vale más que mil palabras, ahí os dejo el documento en cuestión.

Películas - Años 20: El Maquinista de la General (1926)

2010-10-04T15:03:00.007+02:00

THE GENERAL (10/10)

La Obra Maestra por excelencia del gran Buster Keaton; considerada como una de las mejores comedias de la historia del cine; catalogada como la mejor película basada en la Guerra Civil Americana, y tiene gracia, ya que al estrenarse "Lo que el viento se llevo" unos años más tarde, le preguntaron a Keaton que le había parecido, y sobre que comparasen su película con la de Victor Fleming, a lo que respondió "mientras unos recurren a las novelas para encontrar argumentos, otros recurren a la Historia".

Johnnie Grey (Buster Keaton), un joven sureño tiene dos grandes amores en su vida; su novia Annabelle (Marion Mack), y su locomotora The General. La Guerra entre el Norte y el Sur estalla, y todos van a alistarse. Johnnie corre para ser de los primeros, pero cuando al preguntar por su oficio, y responder "Maquinista", los del reclutamiento deciden que será más útil en su actual labor. Eso lo deprime profundamente, pero aún más cuando su entera su novia y cree que en realidad no se ha alistado por cobardía. Poco tiempo después, un grupo de espias del Norte secuestran la locomotora de Johnnie, dando la casualidad que Annabelle se encuentra en su interior, por lo que comienza una alocada persecución para salvar al amor de su vida y recuperar su adorada locomotora.

Lo he dicho anteriormente y me reafirmo en ello. Chaplin era una gran artista, pero Keaton fue por excelencia el gran cineasta de su época, superando al británico. Prueba de ello lo podemos ver en esta cinta, donde Keaton controla todos los factores, tanto técnicos como artísticos. Prueba de ello son las escenas rodadas de la locomotora, con una audacia impropia para la época. La gesta de poner a un protagonista del sur perdedor, en vez del norte vencedor únicamente para glorificar seguramente el mejor gag de la película de "Si luego pierden la guerra no me culpen por ello", o el derrumbamiento del puente al final del film con locomotora incluida, lo que elevó el presupuesto a más de un millón de dólares.

Keaton comenzó a trabajar en el film un año antes de su realización debido a la envergadura del proyecto, sobretodo en el apartado técnico. Durante este tiempo, Keaton llegó a conocer cada una de las piezas que conforman una locomotora. Comenzaron a rodar en los bosques de Oregon, y al encender las locomotoras provocaron un gran incendio. Realizó una proyección privada en su mansión en Hollywood (la mansión que aparece en El Padrino) junto a una de las fiestas más salvajes que se recuerdan. Pero tanto la crítica como el público recibieron con desgana la película. Quizás demasiado adelantada a su época; más acrobacias que payasadas; es un héroe, pero sureño; no es una comedia, pero tampoco un drama". No sería hasta años después cuando la crítica diese la razón a Keaton, y catalogasen su film como obra maestra. Pero ya era demasiado tarde.

Ultimamente nos llegan películas de los año 10 y 20 olvidadas por completo durante décadas pero que gracias a las últimas técnicas visuales son recuperadas. La mayoría de ellas ya no tienen un gran efecto sobre el público más que como curiosidad, pero The General es mucho más. No solo una obra maestra y una declaración de amor al cine y a la historia, puede llegar a ser educativa en muchos aspectos, para empezar para los cineastas actuales. Y tiene más de 80 años.

Películas - Años 40: Roma, Ciudad Abierta (1945)

2010-08-29T16:27:00.005+02:00

ROMA, CITTA APERTA (10/10)

En 1945 asistimos al nacimiento del neorrealismo italiano, seguramente uno de los mejores géneros cinematográficos de la historia. Surge con la intención de contar historias verdaderas y dramáticas sobre la gente real y son un auténticos problemas, algo que muchos prefieren ignorar. Los hechos suelen ser casi siempre reales, con actores normalmente no profesionales y rodadas en auténticos estercoleros donde vivía la gente. En 1945 se estrenó la cinta Roma, citta aperta, que sería la primera de muchas cintas italianas pertenecientes a este género.

Su director, Roberto Rossellini, cuyo nombre se encuentra en el Olimpo de los cineastas, decidió realizar una película que retratase el día a día en la Roma ocupada por los nazis. Durante el gobierno de Mussollini, a Rossellini no le faltó trabajo, conociendo durante esta época y trabando amistad con Aldo Fabrizi y Federico Fellini, los cuales le ayudarían con Roma, citta aperta. Para ello Rossellini salió a la calle durante la propia ocupación de su ciudad y comenzó a hablar con la gente para informarse de primera mano. Pronto fue capaz de tejer varias historias dándole forma y creando un único relato con varios protagonistas. También se basó en la verdadera historia del sacerdote Luigi Morosino, el cual fue torturado y asesinado por la Gestapo al ayudar a la resistencia.

Anna Magnani da vida a Pina, una viuda con un niño pequeño apunto de casarse con un miembro de la resistencia italiana que esconde en su casa a uno de sus líderes. Ayudados por Don Pietro, el sacerdote de la iglesia, interpretado por el propio Aldo Fabrizi, se ponen en contacto con la resistencia, pero lo que no saben es que la Gestapo está detrás de ellos y a través de unos inconscientes informantes saben donde se encuentran.

Guarda este drama una de las escenas más famosas de la historia del cine, la cual puede que muchos, sin haber visto la cinta puede que conozcáis como yo antes de visionarla, pero si habéis visto la cinta, os sugiero que siga así.

La película fue un éxito desde el primer momento, aunque sufrió a causa de la censura en no pocos países. Gano la palma dorada en Cannes y estuvo nominada al Oscar a Mejor Guión.

"Singing in the Rain" de Mint Royale

2010-08-26T00:32:00.002+02:00

El vídeo que os presento a continuación es de un anuncio de Volswagen que apareció hace unos pocos años en televisión y que ya había olvidado por completo, quizás vosotros no. Se trata de un magnífico... ¿qué digo magnífico?, COJONUDO montaje de la mítica escena de Gene Kelly de cantando bajo la lluvia. Sencillamente, brillante.

Figuras del Cine Clásico: Marlene Dietrich

2010-08-24T19:34:00.000+02:00

¿Miedo a la muerte? Uno de debe temerle a la vida, no a la muerte.

Esa fue la eterna filosofía de la berlinesa Marie Magdelene Dietrich, más conocida como Marlene. Nacida en la capital alemana el 27 de Diciembre de 1901, desde muy pequeña estuvo vinculada a las artes, participando en pequeñas obras de teatro en el colegio, y tocando el violín. A principios de la década de los años 20 entró en la escuela de interpretación de Max Reinhardt. Dos años después consiguió su primer papel, aunque tendría que esperar hasta 1930, participando en peliculas menores con actuaciones de secundarias mayoritariamente, para su gran oportunidad en Der blaue Engel (El ángel azul) dirigida por Josef von Sternberg, y coprotagonizada por Emil Jannings. Marlene aparece en un par de ocasiones con los muslos al descubierto, algo radical en aquella época, por lo que tanto eso, como la película en si, le valió el mito de "diva" y "Femme Fatale", convirtiendose en todo un icono sexual de la época.

Ese mismo año (1930) llaman desde Hollywood interesados por Marlene para protagonizar una película junto a Gary Cooper que sería conocida como Morocco, comenzando así su singladura en tierras americanas de la que si se convirtió en una figura mítica, siempre mantuvo las distancias y una aptitud independiente ante su modo de hacer las cosas. Su mejor legado, cinematograficamente hablando, serían las películas de la década de los 30 que protagonizaría bajo las órdenes de Sternberg, como El Expreso de Shanghai o El Diablo era Mujer (ambientado en España).

Al comienzo de la segunda guerra mundial se nacionalizó americana huyendo de su país natal. Fue una firme anti-nazi, y lo demostró siendo una de las primeras celebridades que vendió bonos de guerra, entreteniendo a las tropas o manifestándose públicamente en contra del tercer Reich.

Aunque durante este periodo rodó algunas películas, no sería hasta finalizado el conflicto cuando la veríamos en sus mejores registros, como en Berlín Occidente (A Foreing Affair), Testigo de Cargo (Wittness for the Prosecution), Sed de Mal (Touch of Evil) y Vencedores y Vencidos (Judgment at Nuremberg).

Mucho se ha hablado de su vida privada, algo de lo que se sabe mucho pero de las que circulan innumerables historias, como por ejemplo, su orientación sexual, el número de amantes que estuvo, o que clase de mujer de familia era. El mito más famoso sea quizás el de su relación con otra extranjera que eclipsó Hollywood durante los años 30, Greta Garbo.

Su figura de diva y "femme fatale" ha inspirado a muchas actrices durante el paso de los años. Aquí os traigo dos claros ejemplos, la genial Cate Blanchett en "The Good German", y Diana Kruger en la última cinta de Tarantino, "Inglourious Basterds".

Desde solo cine clásico os recomiendo sus siguientes películas:

Der Blaue Engel (1930) de Josef von Sternberg

Morocco (1930) de Josef von Sternberg

Shanghai Express (1932) de Josef von Sternberg

The Devil is a Woman (1935) de Josef von Sternberg

Detry Rides Again (1939) de George Marshall

A Foreing Affair (1948) de Billy Wilder

Witness for the Prosecution (1957) de Billy Wilder

Touch of Evil (1958) de Orson Welles

Judgment of Nuremberg (1961) de Stanley Kramer

Aquí os dejo un obsequio, el bello tema de Lili Marlen interpretado por Dietrich en alemán.

Películas - Años 60: Ayer, Hoy y Mañana (1963)

2010-08-22T17:47:00.008+02:00

IERI, OGGI E DOMANI (7/10)

Está embarazada, está embarazada, está embarazada, está embarazada.

Me decepcionó, y mucho, la cinta de De Sica junto a los míticos Sofia Loren y Marcello Mastroianni. No digo que la película no se buena, aunque tampoco supera lo notable. Ayer, Hoy y Mañana es una película dividida en tres historia sin conexión entre ellas y que únicamente tratan a modo de comedia el estereotipo de la bella y portentosa mujer italiana y el típico hombre cautivado por sus encantos.

La primera trata sobre Adelina. Algo así como una estraperlista que vende tabaco de contrabando en las calles de Nápoles y a la que han pillado en más de una ocasión. Para evitar la cárcel, Adelina siembre está embarazada. Pero cuando el número de niños aumenta, y el plazo para quedar nuevamente embarazada está apunto de expirar, el marido de ella se ve agobiado y estresado para dejarla embarazada.

En la segunda nos encontramos con Anna, una mimada multimillonaria de Milan que decide salir con su nuevo Rolls Royce junto a su amante, de una posición inferior a la suya. Durante el trayecto surge el tema del amor entre ambos, aunque el amante duda de ella, ya que la conoce bien, pero la incertidumbre de este no dudará mucho.

La tercera contiene quizás la escena más famosa de la película y una de las que más del cine clásico italiano. El streptease de Loren a los pies de la cama donde espera Mastroianni aullando como un lobo. Mara es una prostituta de lujo de Roma solo apta para hombres ricos y atractivos. Un día conoce al nieto de sus vecinos, un aspirante a sacerdote, que se vuelve loco por ella, por lo que decide abandonar sus estudios. Al mismo tiempo, Augusto, uno de los clientes de Mara, pasa unos días para visitar a Mara, pero ella está más pendiente en las discusión con la abuela del joven que de su propio cliente.

La película en si me gustó. Las tres historias son realmente divertidas, cuando no, hermosas, pero nada más. No esperen un relato neorrealista del tipo Ladrón de Bicicletas o El Limpiabotas. La película efectúa un reflejo satírico de la sociedad italiana a tres niveles completamente diferentes, pero nada más. Es quizás por eso que reconozco la calidad del film pero que tampoco puedo decir que sea una obra que me haya llenado. No.

Sica demuestra en esta cinta cuan gran director es. Loren y Mastroianni seguramente la mejor pareja en pantalla de la historia del cine italiano. Y la banda sonora Armando Trovaioli... bravísima!

¿Sabes quién es?

2010-06-17T20:06:00.002+02:00

Young Desiré ha preguntado en el blog si alguno reconocíamos a la mujer de esta fotografía. Por mi parte lamento decir que no tengo ni idea, pero invito a todos aquellos que tengan alguna o intuya quien es que lo digan para ayudar a nuestra compañera. Nada más.

Por otro lado, perdonad la falta de actualización del blog. Entre los exámenes, lo poco que queda para el estreno de Inception, mi otro blog y que en apenas dos semanas me voy a Edimburgo un mes apenas puedo pasarme por aquí. El resto de mis compañeros siguen igual, pero de todos modos antes de irme pienso hacer la crítica de al menos dos películas más de cine clásico español y terminar mi artículo sobre Marlene Dietrich.
Hasta entonces, gracias a los que seguís fieles al blog.

Un saludo a todos y ayudemos a Young Desiré si es posible. = )

Películas - Años 50: El Pisito (1959)

2010-05-23T21:46:00.001+02:00

EL PISITO (8,5/10)

Lo primero, me gustaría presentarme. Me podréis conocer como Mrs. Blade Runner, y he tenido el privilegio de ser invitada por Sean al hablarme este de su ciclo de Cine Clásico Español, género del que si en buena medida no domino en su totalidad, si que conozco gracias a que mi críe disfrutándolo. Espero poder comentar en este blog tanto como me sea posible y dar difusión al magnífico cine patrio que parece estar cayendo en el olvido con el paso de los años. Para ello me estreno como una de mis cintas favoritas de la época, "El Pisito".

Segundo largometraje del italiano Marco Ferreri, afincado en aquella época en Madrid, con guión de él mismo y Rafael Azcona, y basado en la novela "El pisito" (1957), de Rafael Azcona. Fue estrenado el 1de junio de 1959.

El reparto está formado por: Mary Carrillo, José Luis López Vázquez, Concha López Silva, Celia Conde, José Cordero, Ángel Álvarez, Maria Luisa Ponte, Andrea Moro

SINOPSIS

Rodolfo y Petrita llevan doce años de relaciones. Para casarse necesitan un piso y no hay forma de encontrarlo. Rodolfo vive realquilado en casa de doña Martina, una anciana a punto de morir, cuyo el casero está deseando que deje libre la vivienda para derribar el edificio. Algunos aconsejan a Rodolfo una solución heroica: casarse con doña Martina y esperar lo poco que le queda de vida para heredar el alquiler. Rodolfo se resiste, pero cada vez con menos fuerza…

Uno de las películas clásicas del cine español, que supo reflejar de forma magistral algunos de los problemas de la sociedad española de finales de los cincuenta, centrándose fundamentalmente en el de la escasez de viviendas en las grandes ciudades, en este caso Madrid, que hace que muchas gentes tengan que vivir realquiladas, como el protagonista, en pisos cuyos arrendatarios los han convertidos en casas de huéspedes simuladas.

La crítica inscribe esta película dentro del llamado realismo social; influenciada en gran medida por el neorrealismo italiano, pero con un humor negro muy español, corrosivo en algunos momentos, absurdo en otros, y un guiño a la picaresca tan genuinamente española, la película es una rotunda denuncia de una situación injusta que se ceba en los protagonistas, unos personajes primarios, que se ven desbordados por esa situación, lo que les lleva a tomar una decisión drástica. A pesar del sarcasmo y del humor ácido que impregnan la cinta, la historia aparece envuelta en un sutil velo de tristeza por los años que van pasando y la juventud perdida de sus patéticos protagonistas, que ven su sueño de casarse cada día más lejos de cumplirse…

Como documental de la sociedad española de la posguerra, representada por la pareja protagonista y sus familias así como por los realquilados del piso de doña Martina, personajes marcados por las penurias de todo tipo, especialmente la económica, es una obra redonda, magnífica y al mismo tiempo conmovedora. La realidad que presenta es triste, el desánimo, la carencia de esperanza, lo impregnan todo; pero entonces, aparece el humor, muchas veces absurdo y siempre incisivo para suavizar esa realidad. El tópico del tempus irreparabile fugit en pocas ocasiones se ha visto mejor reflejado cinematográficamente que en esa escena en que Rodolfo y Petrita bailan lenta, tristemente, rodeados de jóvenes que les hacen comprender que su juventud se ha ido irremediablemente.

Magnífico (y duro guión), magnifica dirección e insuperables interpretaciones, especialmente de la pareja protagonista.

Películas - Años 60: Placido (1961)

2010-05-20T17:56:00.001+02:00

PLACIDO (10/10)

En una pequeña ciudad de provincias, unas señoras afincadas a practicar ostentosamente la caridad, se inventan la campaña navideña "Cene con un pobre". Placido es contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero hay un pequeño detalle que le impide dedicarse únicamente a su tarea: ese mismo día de Nochebuena le vence la primera letra del motocarro.

Este es el sensacional, aunque a priori sencillo, argumento de "Placido"; una de las obras cumbres de Luis Garcia Berlanga y seguramente, su crítica más colosal contra la sociedad española en aquella época. Influenciado notablemente por el Neorrealismo Italiano; reflejo de una doble moral, la hipocresía, el decir pero no hacer, lo de siempre, vamos.
Con guión del propio director, junto a Rafael Azcona, "Placido" es una dura denuncia a la moralidad de la época. Pero no es abierta y directa, no. La censura habría destrozado la película en ese caso, no. Para ello, Berlanga vuelve a hacer uso del ingenio y humor ácido que tanto le caracterizó en toda su filmografía. Historias entrecruzadas, situaciones hilarantes, humor y tragedia, todo ello unido para mostrar al mundo una parte de la España de la época... y parece que funcionó, ya que la cinta estuvo nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera en 1961

El usar como excusa una campaña de navidad para reflejar a la sociedad hipócrita a la que hace referencia Berlanga no podría ser más acertada, porque... ¿qué mejor época que la navidad para mostrar como somos en realidad? Puede sonar a tópico, pero es así, y eso les pasa factura a las damas de sociedad que inventan el "juego" de cenar con un pobre. Lo importante, lo principal, lo esencial es el "que dirán...", las apariencias, la imagen. Eso lo es todo para esas personas. Ayudemos a los pobres (a los que jamás volverán a ver...); prediquemos el espíritu cristiano y hablemos de caridad (para luego hacer todo lo contrario...); luchemos contra la pobreza (pero no hagamos nada salvo "cenar" con un pobre...); todo esto en un intento de lavar sus consciencias para volver a caer en la misma piedra una y otra vez.

En el reparto nos encontramos a Casto Sendra "Cassen", en el mejor trabajo de su vida, junto a José Luis López Vázquez (uno de los más grandes del cine español), Elvita Quintilla, Amelia de la Torre, Julia Caba Alba y Amparo Soler Leal.
En Estados Unidos, y en muchos hogares por todo el mundo acostumbran a visionar "It´s a wonderful life" durante las fiestas navideñas... en España quizás no es tanta la costumbre a recordar este film por la agria y desesperanzadora imagen que nos damos a nosotros mismos... aunque quizás no sería tan mala idea si con ello se captase el mensaje de la película.

Os la recomiendo a todos. Espero que con esta escena os pueda convencer a todos:

(Escena de una sola toma, por cierto!)

Películas - Años 50: Muerte de un Ciclista (1955)

2010-05-06T18:27:00.001+02:00

MUERTE DE UN CICLISTA (8,5/10)

"GRAVEMENTE PELIGROSA"

La trama comienza en una carretera (como diría mi abuelo) "de las antiguas", por donde va circulando un ciclista. Pasa por delante de nosotros y a los pocos segundos es atropellado por un coche. No vemos como. Bardem prefiere no mostrar dicha escena recreando quizás el momento de duda que podría tener el causante de dicho accidente. Los responsables son, en apariencia, una pareja normal y corriente, que bajan a ver que ha ocurrido. El ciclista está mal herido, pero ellos deciden no ayudarle y marcharse del lugar. Con el paso de los minutos descubrimos que los posibles sentimientos de culpa de estos dos individuos no son únicamente por no socorrer al ciclista, sino también porque en realidad son amantes. Deciden guardar silencio ante lo ocurrido con la esperanza de que no los descubran, pero un magnate del mundo del arte afirma saber lo que ha ocurrido y comienza a chantajearles.

Además de la anterior premisa, vemos un transfondo crítico social muy importante, reflejado en la diferencia de clases durante la dictadura, o los primeros movimientos estudiantiles en España de protesta.

Ella, el personaje femenino, María José (Lucía Bosè), está casada con un rico empresario y vive a todo lujo. Él está locamente enamorado de ella y en ningún momento piensa que le pueda ser infiel.
Él, el personaje masculino, Juan (Alberto Closas), es un profesor de universidad recomendado por el marido de su hermana. Lo que le permite trabajar sin apenas esfuerzos, algo que levanta rumores a sus espaldas. Está confundido, no sabe que quiere hacer con su vida, y encuentra a María José como una especia de válvula de escape.
Ambos habían sido novios antes a la Guerra Civil, pero al volver Juan, María José se ha fugado con su actual marido como única vía de supervivencia. Años después renuevan su relación, mostrando en cierto modo, como ninguno de los dos está enamorado por completo del otro. María José parece que le quiere, aunque para ella, su situación actual tiene mucha mayor importancia; en cuanto a Juan, está tan confuso que no sabe lo que quiere o no quiere, lo que le llevará a tomar la decisión del final de la película... al igual que a ella.

Aunque pueda parecer una historia simple, la historia de amor e infidelidad de Juan y María José, y el que abandonen a su suerte al ciclista, le valió a la cinta la calificación de "Gravemente Peligrosa". Bardem hace una crítica a la diferencia de clases durante aquella época, y como esta era corrupta, hipócrita, e inmoral en muchos aspectos. Para ello hace de Rafa (Carlos Casaravilla), un personaje clave, ya que es punto intermedio, un perfecto observador entre esos dos mundos. Rafa es el típico intelectual al que todos los aristócratas quieren tener a su lado en un intento de mejorar su propia imagen, y que intenta chantajear a los protagonistas.

Por otro lado, y casi sin tener nada que ver con la historia central, nos encontramos con un protesta estudiantil en la facultad donde trabaja Juan debido a un error/injusticia que cometió durante un examen a una de sus alumnas.

La película ganó el premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes. Al poco tiempo de dicho premio, Bardem participó en las Conversaciones Nacionales Cinematográficas de Salamanca, durante el transcurso de las cuales, se debatió sobre la situación estructural del cine español. Juan Antonio Bardem y Basilio Martín Patiño resumían conjuntamente las conclusiones de aquel congreso subrayando que "cuando el cine de todos los países concentra su interés en los problemas que la realidad plantea cada día, sirviendo así a una esencial misión de testimonio, el cine español continúa cultivando tópicos conocidos. El problema del cine español es que no es ese testigo que nuestro tiempo exige a toda creación humana". Bardem fue aún más lejos en su valoración de tan significativo encuentro cuando declaró que "el cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico".

Personalmente me esperaba más de la cinta. Aunque tiene un clara influencia del Neorrealismo Italiano, Bardem le dio un toque muy personal a la cinta con una dura, pero sencilla, crítica de trasfondo. Calle Mayor es mucho mejor. Mención especial a la actuación de Alberto Closas.

VIA: Cinefia

Los Simpson en el Cine Clásico... La Gran Evasión

2010-05-05T00:04:00.003+02:00

LOS PÁJAROS/ UN TRANVÍA LLAMADO MARGE (4x02)

Hace poco comentamos esta genial película en el blog, La gran evasión. Sin duda alguna, la cinta de Steve McQueen ha hecho escuela y ha inspirado a otros muchos directores con el paso de los años. En el capítulo, "Un tranvía llamado Marge", encontramos muchos homenajes a distintos clásicos del cine. Hoy tocaría hablar de la cinta de 1962.

P.D.: De este mismo capítulo extraimos el homenaje de Los Pájaros.

Película - Años 30: Viva la Libertad (1931)

2010-04-28T22:47:00.005+02:00

A NOUS LA LIBERTÉ (8/10)

El otro día Rene Clair y su película A Nous La Liberté (Viva La Libertad!) me mostró como incluso los mejores directores se inspiran en otras películas para armar sus obras maestras. Tiempos Modernos esa película por todos conocida, en la que Chaplin hacía una genial, maravillosa y perfecta metáfora de la pérdida del individuo en el periodo de entre guerras con el auge de la industria y la cadena de montaje, bebe mucho de esta película francesa hecha 5 años antes.

Y es que nada como las clases de cine (una asignatura que me justifica todo primero de Comunicación Audiovisual) para confirmar lo que ya sabía que me quedan muchas joyas por ver.

A Nous La Liberté es un film de 1931. Cinco años más tarde Chaplin construiría Tiempos Modernos con un punto de partida muy parecido. Las secuencias que Clair en la fábrica, así como el emblemático final con ambos protagonistas buscando el camino correcto, serían inspiración para el inglés para hacer su película. El director francés lejos de enfadarse por plagio, se sintió halagado de que un genio como Chaplin se basara en su película.

A Nous La Liberté nos cuenta la historia de dos compañeros de celda, Louis y Emile, en una cárcel que deciden fugarse. El plan no sale como lo habían planeado (nunca salen bien) y mientras uno consigue salir, el otro es atrapado por los guardas. Los años pasarán y sus vidas progresarán. Uno de ellos, el que logró salir de la cárcel, prosperará en el negocio de los toca-discos hasta llegar a tener una gran empresa con centenares de trabajadores explotados. Mientras que el otro conseguirá escapar de la cárcel y tendrá que encontrar la manera de sobrevivir en un mundo en plena evolución. El destino los vuelve a juntar en la fábrica dónde Louis, el propietario, lejos de haber cambiado se alegra de ver a su amigo y decide ayudarle en todo lo que puede.

El enorme cambio no solo económico que ocasionó la Revolición Industrial marcó un antes y un después en la sociedad. El cine se vio obligado a ejercer de testigo de la época mostrándonos este cambio. La deshumanización del hombre convirtiéndolo en parte de una manada (como expresa de manera genial Chaplin en Modern Times) era el tema principal de las películas más arriesgadas de la época. Con geniales escenas sobre las cadenas de montaje que después inspiraría a Chaplin para hacer uno de los mejores “bailes” de su mítico Charlot.

La comedia del cineasta francés Rene Clair no se queda ahí, además es un canto a la amistad entre los dos protagonistas. Una amistad que consigue romper la barrera entre pobres y ricos de manera un tanto ingenua y utópica, pero no por ello peor. Simpatía, sencillez y libertad son tres valores presentes en cada fotograma de la película. El film del cineasta francés además nos hace reflexionar con sobre las pequeñas cosas que nos hacen ser personas individuales y no un todo impersonal, un cielo, unas nubes, la mirada de una chica des del balcón.

Henri Marchand y Raymond Cordy son los protagonistas del film interpretando a Emile y Louis respectivamente. El primero con una mirada ingenuo y más instinto que cabeza intenta conseguir sus objetivos. Objetivos que están lejos del dinero o del materialismo necesario para progresar en la creciente nueva sociedad. Emile es un “bicho raro” en busca de amor, paz y libertad. Cordy interpreta a Louis un rico empresario que ha sido atrapado por el sistema. Pero el reencuentro con su amigo le hace replantearse su vida y se da cuenta que su amigo aunque ingenuo y en busca de una quimera imposible vive mejor que él.

La película de apenas 90 minutos de duración se pasa en un abrir y cerrar de ojos gracias a un ritmo envidiable y ágil. Una banda sonora inolvidable con las voces de los presos cantando a la libertad dan la guinda a una película imprescindible para un amante del cine.

Una comedia que se podría considerar musical, simpática, sincera y sencilla con buenas interpretaciones y magistralmente dirigido por Rene Clair.

Películas - Años 50: Bienvenido Mr. Marshall (1953)

2010-04-14T17:51:00.007+02:00

BIENVENIDO MR. MARSHALL (9/10)

"Como alcalde vuestro que soy, os debo una explicación, y esta
explicación que os debo, os la voy a dar. Que yo, como alcalde
vuestro que soy, os debo una explicación, y esta explicación
que os debo, os la voy a dar, porque yo, como
alcalde vuestro que soy...."

Seguimos con nuestro especial de cine clásico español. Lo mismo que la semana pasada comentaba una película trágica y dura, hoy he decidido girar 360 grados y hablar sobre una cómica y mordaz. Una que reuniera tanto el cinismo, como la picardía propia del pueblo español. Surgen unos cuantos títulos, pero la obra por excelencia que reune esas características, y que además fue la pionera, es sin duda alguna: Bienvenido Mr. Marshall.

Nuevamente, pongámonos en situación mediante un escueto resumen por mi parte: Tras acabar la Segunda Guerra Mundial Europa estaba completamente desolada y destruida. EEUU decidió poner un programa económico de ayuda al que apodaron "Plan Marshall". La mayoría de países europeos se vieron beneficiados por este programa excepto los del bloque comunista, y España. Aquí empieza la coña por nuestra parte.

Vayamos a la película: Villar del Río, un pueblo típico español (posíblemente castellano), espera con ansia la llegada de los americanos, tras el anuncio del Delegado de la región, para repartir las ayudas que están repartiendo por parte del famoso Plan Marshall. No saben nada excepto que les van a dar lo que ellos pidan (sin abusar!), y que han de prepararles un gran recibimiento.
La presentación de los personajes no podía ser más fluida y divertida. Están todos los prototipos típicos de los pueblos españoles: El Alcalde, el hombre más rico del pueblo, curiosamente sordo; el Cura, guía espiritual de sus feligreses, bonachón aunque firme; el Hidalgo del pueblo, noble pero pobre, claro guiño a nuestro querido Don Quijote; el Empresario que llega al pueblo, pícaro y emprendedor, aunque con demasiadas pretensiones y ensoñaciones de grandeza; la Maestra, inteligente, capaz y "soltera"; los comerciantes... todos ellos son los dirigentes del pueblo; todos ellos seguidos por el pueblo llano, agricultores, ganadores o peones sin ideas, aspiraciones o motivaciones, masas estancadas.

Ante el temor de que los demás pueblos puedan ofrecer a los americanos un recibimiento mucho mejor, ellos deciden mostrar algo atípico en un pueblo de la zona de Castilla, un recibimiento a lo andaluz (mi hermosa tierra). El empresario convence al Alcalde para decorar todo el pueblo como si fuera uno andaluz, además compran para todos los lugareños trajes de flamenco y gitanas... ("Tipical Spanish") Todo ello acompañado de una canción de bienvenida, la famosísima "Americanoooos, vienen a España guapos y saanos". El final es soberbio. Deja clara una cosa, a optimistas no nos gana ningún pueblo en la faz de la Tierra; los españoles somos expertos en reírnos de nuestras propias tragedias y pensar que tarde o temprano todo se solucionará. No diré más para los que no la hayan visto, en especial nuestros compañero de América Latina.

La cinta es una crítica, tanto hacia los Estados Unidos a modo de sátira y con "buen rollo" por el plan Marshall del que España, tras más de 10 años de dura pos-guerra, no se benefició en absoluto; cómo al propio régimen de Franco, con su política autocrática y de autosuficiencia, lo cual cerraba las puertas a cualquier ayuda del exterior. Quizás la censura no entendió esa última parte y la dejaron pasar pensando únicamente en el reproche hacia los yankees.

La película está dirigida por otro genio del celuloide patrio, Luis García Berlanga, de él ya comentaremos más películas en este especial; además de estar escrita por Juan Antonio Bardem y Miguel Mihura.
Se presentó al Festival de Cannes, ganando el Premio Internacional de la Crítica (para Berlanga), y una mención especial al guión.
Por mi parte hacer una mención especial a la actuación de Pepe Isbert, cómo alcalde Villar del Río. Alcalde, ricachón del pueblo, viejo verde, medio-sordo, inocente, y temeroso del Delegado... Esplendido!; y también al montaje que nos permite visionar la cinta de un modo cómodo y a gusto, con un ritmo muy bien marcado y progresivo.

Os dejo con unos cuantos vídeos que he encontrado en YouTube y que os permitirán saborear un poco esta pequeña obra maestra.

Bienvenidos Americanos:

Fragmento 2:

Fragmento 3, con la genial explicación del Alcalde:

Películas - Años 50: Calle Mayor (1956)

2010-04-10T17:52:00.001+02:00

CALLE MAYOR (10/10)

Dicen que Lorca fue el autor que mejor supo reflejar la agonía de las mujeres a principios de siglo. Clara prueba de ello son algunas de sus obras, en especial Bodas de Sangre, Yerma o La Casa de Bernarda Alba. Si Lorca consiguió eso en el teatro, Juan Antonio Bardem no se quedó lejos con "Calle Mayor", aunque el propósito del director no era únicamente ese. En una trama que esconde varios gritos de denuncia, el ingenioso director critica también el comportamiento sexista de la época en nuestro país; critica el estilo de vida, como se podía jugar con las costumbres y normas no escritas de modo que pudiesen a afectar de un modo inhumano a una inocente persona. La historia no podría ser más redonda.

A mediados de los años 50, en una ciudad de provincias, un grupo de amigos (corroborando el estereotipo de chulitos aburridos y crueles) deciden pasar el rato gastando una cruel broma a una solterona de 35 años del pueblo. Pongámonos en situación. En aquella época una mujer que pasaba de los 30 años y aún permanecía soltera difícilmente iba a encontrar marido, en tal caso quedaría en dicho estado para los restos. Era lo peor que le podía pasar a una mujer, ya que se les preparaba desde pequeñas para ser buenas esposas y dulces madres. Limpiar, cocinar, criar hijos y ser esposas comprensivas... Caso contrario era el de los hombres. Pero volviendo a nuestra historia, una mujer de 35 años, soltera, era el blanco perfecto para una cruel broma. ¿Cómo? fingiendo que uno de ellos la ama y que desea casarse con ella para después dejarla tirada después de haberla cortejado y una vez que ella se hubiera enamorado. ¿Podéis haceros una idea de lo que puede suponer para ella dicha noticia? Cuando prácticamente tenía asumido que viviría el resto de sus días sola (no literalmente) y que jamás tendría una familia le cae del cielo esta buena nueva dando a su vida un giro de 360 grados. El final, soberbio, duro, claro, te deja una sensación en el cuerpo no muy distinta a la de, quizás, Dogville. Quizás tan espléndido como el final sea el principio, donde a través de los ojos del intelectual de pueblo vemos como la masa ignorante (la mayoría) del pueblo se aburren y buscan entretenerse de los modos más corrientes, simples, y en ocasiones zafios.

Juan Antonio Bardem se decantó por la actriz americana Betsy Blair, recién nominada al Oscar por Marty. La actriz se mostró reacia en un principio por ir a rodar a la España de Franco, pero Bardem la convenció demostrándole que su película suponía una sutil crítica al régimen y a la mediocridad de la vida media en la España de Franco. Al poco de comenzar el rodaje en Palencia encarcelaron al director durante 15 días por "problemas políticos". Ante la negativa de Blair de que continuaran el rodaje con otro director, la producción acabó trasladándose a Cuenca y Logroño en distintos escenarios.
La censura intentó acondicionar la película con una voz en off introduciendo la cinta:

"Una pequeña ciudad de provincias.
Una ciudad cualquiera...en cualquier provincia...de cualquier país.
La historia que está a punto de comenzar... no tiene unas coordenadas geográficas precisas."

A continuación vemos la ciudad de Cuenca con sus famosas casas colgantes. Bardem 1, censura 0.

La "crítica realista" de Bardem y su análisis del comportamiento de las personas, y la sociedad en general, en extremos odiosos y crueles, nos recuerda que la crueldad no conoce límites. Nos recuerda que las personas somos un claro reflejo de nuestro entorno con sus más y sus menos, y que somos la primera amenaza para los que nos rodean llegados a un caso extremo.

La película ganó el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Venecia de 1956 y a punto estuvo de lograr el León de Oro en la categoría principal, aunque finalmente quedó desierta. También elegida por la Academia Española de Cine para representar a España en los Oscars, aunque finalmente no fue seleccionada. Aquel año ganó el Oscar en esa categoría La strada de Fellini.

Especial: Cine Clásico Español

2010-04-08T17:33:00.006+02:00

Este post va dedicado a todos los que afirman que durante el régimen en España no se hacía cine de verdad.

Decía Orson Welles en The Third Man:

"En Italia, gobernaron los Borgia durante 30 años y no hubo más que guerras, terror, matanzas; pero surgieron Miguel Angel, Leonardo DaVinci y El Renacimiento. En Suiza en cambio tuvieron 500 años de paz, democracia y amor, y ¿cuál fue el resultado? el reloj de cuco."

Clara muestra de cómo las personas sacan lo mejor de sí en los momentos difíciles.
Paradojicamente, suelo leer mucho a cerca de porque el cine español tiene el nivel tan bajo que tiene y en muchos epígrafes comienzan diciendo que el cine se corrompió durante la dictadura y que en España no se hacía "cine" durante dichos penosos años. Y yo pregunto ¿¿¿qué???

Decir eso es lo mismo que escupir en la cara de directores consagrados como Berlanga, Forque o Bardem, ambos comunistas declarados que con sus más y sus menos fueron capaces de dirigir películas en España durante dicha época. Por otro lado, soy de la firme opinión que durante dicha época, los directores y guionistas, sin ser financiados por las televisiones, sin tantas y tantas ayudas de los ministerios, sin la SGAE, sin sus privilegios y demás polladas, sacaron lo mejor de sí y dejaron una rica herencia cultural, cinematograficamente hablando, que muchos hoy no conocen o han olvidado. Cierto que existía la censura, negarlo sería un estupidez. Existía y era bastante fuerte, pero el que exista la censura en un país no hace que los artistas dejen de trabajar o que tenga que esforzarse de verdad para seguir creando. Que se lo digan a Chinos o a Cubanos.

Títulos como Calle Mayor, Bienvenido Mr. Marshall, El Verdugo, Muerte de un Ciclista, Plácido, El jueves Milagro... cine que mostraba lo mejor y lo peor de los españoles. La personalidad, la aptitud, la picaresca, la envidia. Todo reflejado de un modo fidedigno, simple y magistral. Pero en España no se hizo cine durante el régimen, ¡no!

En los próximos días, y con el tiempo que disponga, me gustaría hacer un repaso de algunas de las mejores películas clásicas del cine español con mensajes claros y desgarradores, más propios del Neo Realismo italiano que otra cosa. Comenzaré con Calle Mayor de Juan Antonio Bardem, tío del que se trabaja actualmente a la Pene.

Os espero, sobretodo, para que dejéis vuestras impresiones y opiniones. Me gustaría que esto fuera algo comunitario, algo que pudiésemos construir entre todos.

Películas - Años 60: La Gran Evasión (1962)

2010-04-04T23:00:00.006+02:00

THE GREAT ESCAPE (8,5/10)

Nos encontramos en plena segunda guerra mundial y en el corazón de Alemania nazi. Un nuevo campo de prisioneros abre sus puertas, el Stalag Luft III, donde los principales oficiales y suboficiales de aviación británicos y americanos ver cercenados su libertad. Pero quizás el detalle más interesante de este campo sea lo que lo distinga del resto de campos de prisioneros, es el mejor. Es un campo diseñado expresamente para evitar fugas y evasiones, por lo que reciben a los soldados aliados con mayor historial de fugas. Pero estos, no pierden el tiempo, por lo que, haciendo honor a su más que sonada reputación, comienza la realización de tres túneles para fugar a más de doscientos prisioneros. Todo esta planeado al detalle, uniformes, visados, horarios de tren, mapas de carretera...

¿Será posible tal acción?, ¿hasta que punto puede la inventiva del ser humano serle de ayuda cuando se le priva de la libertad? Tendréis que juzgarlo vosotros mismos viendo The Great Escape, basado en hechos reales e hito de las cintas bélicas que abarca el cine clásico. Con un espectacular reparto encabezado por un inolvidable Steve McQueen en el papel de Hilts, perdón, Capitán Hilts, aviador norteamericano experto en fugarse de cualquier tipo de campo aunque poco más...
En ese mismo campo coincidirán casi toda la Organización X, un gran grupo de soldados aliados con experiencia en fugas. El jefe de dicho grupo es el comandante Roger Barlett (Richard Attenborough), el cual orquesta el plan en busca de organizar un nuevo frente en la propia Alemania para así combatir a los propios nazis y provocar un gran alboroto.

El resto del reparto está formado por estrellas como James Garner, Charles Bronson, Donald Pleasence, David McCallum y James Coburn entre otros.
John Sturges, su director, es el autentico Gran X de esta película al orquestar casi tres intensas horas de cine plus sin decaer en casi nada. Al igual que puede ocurrir en 12 Angry Men, el espectador acaba sintiendo la angustia y la agonía de verse encerrado en el campo de prisioneros y ansía respirar libertad junto a los actores. Los últimos tres cuartos de hora de la película casi no tienen nada que ver con lo anterior visto, pero son lo mejor de la película junto a las asfixiantes escenas de construcción de los túneles, "Tom", "Dick" y "Harry".

Espectacular también la banda sonora por parte de Elmer Bernstein y el tema principal de la misma.

Os apunto un par de curiosidades:
Se estreno el 4 de Julio de 1963 en Estados Unidos.
Steve McQueen gano el premio a Mejor Actor en el Festival de Moscú de la Unión Sovietica.
Aquí os dejo una página en inglés de la auténtica fuga.

Aquí os dejo el trailer:

Películas - Principios de Siglo: Alicia en el País de las Maravillas (1903)

2010-03-06T18:55:00.006+01:00

ALICE IN WONDERLAND (10/10)

El estreno de la nueva cinta de Tim Burton está próximo. No es más ni menos que la adaptación y nueva versión del clásico de Lewis Carroll, Alicia en el País de las Maravillas.
Disney hizo su propia versión la cual hoy en día es considerada un clásico, pero los chicos de La Palomita Mecánica encontraron el otro día este vídeo en YouTube en lo que es la primera adaptación del clásico 37 años después de que se publicara la historia. Puro cine mudo de principios de siglo, para ser más específicos de 1903.

Como curiosidad resaltar que la película ya cuenta con alguno de los efectos visuales más punteros de la época, como la escena en la que Alicia aumenta y disminuye de tamaño o la escena del gato (muy graciosa por cierto, se ve que el gato tenía pocas ganas de colaborar). La cinta guarda cierta calidad de los fotogramas, aunque se ve que algunos están bastante deteriorados, pero es normal. Tienen 107 años!

Películas - Años 20: Amanecer (1927)

2010-03-04T17:59:00.001+01:00

SUNRISE: A SONG OF TWO HUMANS (10/10)

Tal como comentaba ayer mismo, en la primera ceremonia de los Oscars hubo dos secciones referentes a Mejor Película; Mejor Producción y Mejor Calidad Artística. Amanecer ganó este segundo, siendo Alas la que se considera la primera película en ganar el Oscar. Pero si buscamos en las listas de mejores películas de la historia encontraremos Sunrise, porque de hecho, es una de ellas. Podrá ser Alas la que "oficialmente" ganó el principal Oscar, pero creo que eso nunca ha sido considerado como referente para elegir la mejor película de un año.

Amanecer es en mi opinión la gran primera obra maestra del género romántico de la historia del cine. Existía dicho género anteriormente, pero hasta ese momento ninguna había alcanzado tal grado de realismo, emotividad, sentido, poder, fuerza. Es una auténtica joya de la que ya podrían aprender muchos hoy en día.

La acción transcurre en Estados Unidos, comenzando en un pequeño pueblo con la llegada de una forastera, proveniente de la ciudad. En el pueblo conoce a un campesino casado que se enamora de ella (George O´Brien). La mujer de ciudad convence a este para que acabe con su mujer (Janet Geynor) para que ambos puedan escaparse a la ciudad. El hombre decide llevar a cabo el plan aunque en un estado de semi-consciencia. Los remordimientos comienzan a aflorar en él, ya que la mujer se le presenta como algo novedoso, algo fuera de lugar en su tranquilo habito; algo salvaje y poco común por lo que se siente realmente atraído. Siendo su mujer todo lo contrario, aunque no puede evitar sentirse mal, ya que su mujer es... su mujer, de la que una vez estuvo enamorado y de la que puede volver a estarlo. La mujer de ciudad representa la sofisticación, el progreso y la malicia que a todo esto acompaña, mientras que su mujer es un claro reflejo de la vida rural aunque con obvias muestra de pureza y bondad.
La mujer de ciudad llega a poseer al hombre de un modo anti-natural, haciendo que este descuide sus propias tareas y se convierta en un extraño para sus más allegados. Murnau lo reflejo de un modo excelente en este empalme de fotogramas:

Confundido y angustiado, el hombre sugiere a su mujer pasar un día tranquilo e íntimo los dos solos en el lago. La mujer, preocupada por el comportamiento de su marido, se emociona por este cambio de actitud en él y acepta alegre y motivada la sugerencia. Una vez en mitad de este, intenta asesinarla y que parezca un accidente, pero llegado el momento se ve incapaz de hacerlo y vuelve remando a la orilla. La mujer aterrada huye a la ciudad con el marido detrás implorando su perdón. Ya en la ciudad la pareja poco a poco se tranquiliza y mediante una serie de sucesos vuelve a surgir el amor entre ellos de un modo bello y real. El final es de los mejores y más emotivos que nunca he visto.

La historia no presenta las típicas gilipolleces que aparecen hoy en día en las películas románticas que ha hecho de ese género uno de los más infravalorados de la actualidad, no. Presenta a dos personajes, reales. Con lo que podemos llegar a identificarnos en más de un aspecto o ver en ellos a conocidos. Vemos como el amor que había entre ellos no había desaparecido, simplemente estaba dormido o apagado, como suele suceder en todos los noviazgos o matrimonios. La rutina adormece ese sentimiento que se traduce en apatía, y algo nuevo, algo fuera de lo normal puede despertarlo. En este caso, el hombre siente apatía por su estilo de vida, su mujer, su pueblo; la chica de ciudad despierta en él lo poco de vida que le quedaba, pero con esa chispa encendida es capaz de comprender que realmente ama su mujer, que la quiere por encima de todo.

Dirigida por el F. W. Murnau, director alemán de clásicos como Nosferatu o Fausto, es con Sunrise con la que firma su Obra Maestra. El guión es de Carl Mayer, colaborador habitual de Murnau. La cinta, además de ese Oscar a "Mejor Película", otorgado a Murnau, ganó el Oscar a Mejor Actriz para Janet Geynor, y Mejor Fotografía.

Os dejo con la divertida escena del cerdo:

Películas - Años 20: Alas (1927)

2010-03-03T14:02:00.007+01:00

WINGS (9/10)

Todos los años ocurre igual. Sobre estas fechas todo el mundo se pone como histérico (bueno, puede que hace unos años...) con la carrera de los Oscars. Que si promedios por aquí, que si estadísticas por allá. Que si en el año tal, ganó esta película contra todo pronóstico y ahora equivale a una posibilidad de que esta... Estamos acostumbramos a leerlo todo esto en Internet o en revistas especializadas, etc... pero que lleguemos a algún tipo de conclusión como estas por nuestra cuenta a raíz de nuestro propio conocimiento ya es más inusual.

El que ustedes no sepan alguno de los datos más significativos de la carrera de los Oscars, o no recuerden quien ganó el Oscar a Mejor Actor de reparto en 1944 no es motivo de preocupación (lo que hacía falta...), pero ya que estamos, y a unos pocos días de la próxima entrega de los Oscars del 2009, ¿por qué no conocer alguna de las películas que han ganado la preciada estatuilla?, ¿y ya puesto, por qué no empezar por la primera que tuvo dicho honor?

Dos jóvenes americanos (Charles "Buddy" Rogers y Richard Arlen) enfrentados por el amor de la misma chica (Jobyna Ralston) deciden alistarse juntos para combatir en la Primera Guerra Mundial como pilotos. Aunque ella está enamorada de uno de ellos, ninguno de los dos lo sabe; al igual que el que cuyo amor no es correspondido por la chica, si lo es secretamente por una de su mismo barrio (Clara Bow) que decide alistarse también como voluntaria para hacer trabajos humanitarios en el frente, en cierto modo para saber que su enamorado se encuentra bien. La película contiene una de las más impactantes escenas bélicas del cine clásico, la de Saint-Muhiel, decisiva en la guerra.

Este es el argumento de Wings, traducido como Alas; un drama bélico de la Gran Guerra que fue la primera cinta en ganar el Oscar a Mejor Película, además de otro Oscar por los Mejores Efectos de Ingeniería (los efectos especiales de la época). Aunque quizás deberíamos especificar un poco, ya que aunque ganó el Oscar a Mejor Película, también lo ganó Sunrise: A Song of Two Humans, aunque en una categoría distinta. Wings ganó el Oscar a película más sobresaliente, más excelente..., Sunrise ganó el Oscar a película de mayor calidad artística. ¿Cuál podríamos considerar la actual Mejor Película? En realidad Wings es considerada como tal, y en opinión del que suscribe, dicha categoría es la que más se asemeja a la actual Mejor Película. Aunque para mi, la película de Murnau, es muchísimo mejor película que la cinta de Clara Bow, pero de ella ya hablaremos proximamente.

P.D.: Fue el genial Charles Coburn quien ganó el Oscar a Mejor Actor Secundario en 1944 por The More the Merrier, por si os alguno se picaba ; )

Los Simpson en el Cine Clásico... Vértigo

2010-03-02T18:28:00.002+01:00

VERTIGO/ DIRECTOR ENCANTADOR (2x14)

Retomo está sección más que olvidada para traeros hoy un curioso homenaje al final de uno de los grandes clásicos de Hitchcock, Vertigo.

La película original es de 1958 y está protagonizada por uno de los grandes, James Stewart. La cinta cuenta la historia del detective John "Scottie" Ferguson, ya retirado, y que es solicitado por su antiguo compañero de Universidad. Este le pide que vigile a su mujer ya que ha presentado un extraño comportamiento. A todo esto se suma la acrofobia del protagonista (miedo a las alturas), lo que permite al maestro del thriller, Hitckcock, jugar con esa fobia e incluso trasladarla al espectador al ver las secuencias más intensas del film.

Películas- Años 10: Lirios rotos/ La culpa ajena (1919)

2010-02-17T18:22:00.000+01:00

Broken Blossoms (10/10)

El nombre de D. W. Griffith seguramente se asociaría inmediatamente con títulos como El nacimiento de una nación e Intolerancia; pero Lirios rotos-conocida también como La culpa ajena- es sin duda su film más estético, artístico y hasta poético. Lejos de sus geniales manipulaciones narrativas y de montaje que utilizara en sus otros films, aquí Griffith nos cuenta una historia sencilla entre un Joven inmigrante chino y una pobre muchacha maltratada en los bajos barrios de Limehouse, Inglaterra. Adaptada por el propio Griffith del cuento The Chink and the child del libro de Thomas Burke "Limehouse nights" gracias a la sugerencia de Mary Pickford quien vio grandes semejanzas en el estilo artístico del director y del autor literario, esta grandiosa pieza fue filmada en apenas 18 días y en un 90% en interiores.

Además de la historia de amor y tragedia contada con una narrativa contrastante entre la dulzura e inocencia de los protagonistas y la decadencia y obscuridad de los escenarios; Broken Blossoms es una obra maestra de la estética cinematográfica siendo adulada por incontables cineastas y críticos sobretodo por su fotografía y sus técnicas novedosas en esa época que marcaron camino para posteriores producciones.

Argumento:

El film comienza en China, donde el joven Cheng- en la piel de Richard Barthlmess- está orando junto a su padre por el viaje que está por emprender a Inglaterra para misionar la disciplina budista. Es un muchacho idealista que años después aparece como tendero en un barrio desdichado donde el vicio, el juego y las malas compañías parecen haberlo atrapado. Allí conoce a Lucy, Lilian Gish, una muchachita que vive con su padre, interpretado por un estupendo Donald Crisp, quien es boxeador y violento. Gracias a la ayuda que Cheng le presta a Lucy luego de una furibunda paliza por parte de su padre nacerá el amor pero también la tragedia provocada por la intolerancia racista.

La historia contada con grandes escenas es un deleite desde el primer minuto. Los contrastes entre la vida de Oriente y Occidente, entre la inocencia y la crudeza, entre la pureza y el abuso está plasmada con una belleza prodigiosa gracias a la fotografía de G.W. Bitzer y por supuesto las actuaciones de los tres protagonistas principales de las cuales destaca una Gish soberbia. Sus gestos, posturas y ademanes hacen de esta muchacha sufrida una actuación memorable. Dícese que ese ademán de dibujarse la sonrisa con sus dedos ante la imposibilidad de hacerlo naturalmente fue inmediatamente adoptada por Griffith cuando vió a la propia Gish hacerlo fuera de cámara. Un detalle no menor que forma parte de una especie de poético leit motiv en el film.

La escena del closet, donde la pobre Lucy se esconde de su padre enfurecido es impactante. Se cuenta que mientras la filmaban la actuación de Gish provocó tanto estupor al director que en un momento gritó desesperado causando que varias personas fuera del estudio corrieran desenfrenadas a ver qué ocurría. Es que esa escena es única, el encierro y la claustrofobia de la protagonista sin escapatoria mientras la amenaza es inminente causa estupor en el espectador y es difícil no sentir desesperación.

Este film está incluído dentro de la National Film Preservation Board por ser cultural, histórica y estéticamente significante. Un film incluído además en la obra de Steven Schineider "1001 películas que hay que ver antes de morir", indudablemente luego de visionarla no se puede pensar que estuviera fuera de esa lista.

Les dejo con la famosa escena del closet, pero si no vieron el film les sugiero que den STOP en el minuto 3 apróximadamente.

Chicas del Cine Mudo: Barbara La Marr (1896-1926)

2010-02-10T16:25:00.009+01:00

LA MUCHACHA DEMASIADO HERMOSA

Tenía aparcada mi sección favorita del blog desde hace tiempo, y os pido disculpa, a los que la seguíais, y a los nuevos seguidores del blog que espero os guste.
Tengo varios nombres recopilados para continuar, y hoy os quisiera hablar de una de esas figuras del cine clásico cuyo impactante y bello rostro colapsó las pantallas de las primeras salas de cine del mundo, Barbara La Marr.

Nacida el 28 de Julio de 1896, como Reatha Dale Watson, en el estado de Washington, la joven Barbara no comenzaría su andadura en el mundo artístico hasta los primeros años del pasado siglo, en los que actuaría, a la edad de siete años, en pequeñas pequeñas producciones locales. Siete años después ya era conocida por toda la audiencia americana.

Un suceso curioso acaeció en enero de 1913, cuando la hermanastra de Barbara, mayor que ella, la llevó "de excursión" con un hombre llamado C. C. Boxley. Condujeron en dirección a Santa Barbara, y al pasar los días, Bar se percató de que no la iban a dejar volver a casa. Finalmente la hermanastra la dejó regresar a Los Ángeles, después de enterarse que había sido acusada de secuestro y estaba en busca y captura. Este hecho fue publicado en periódicos y revistas, e incluso hubo juicio donde La Marr testificó contra su hermanastra.

Poseedora de una gran personalidad y un vivo sentido del humor, escribió una serie de guiones de comedia para su buena amiga, Mary Pickford, la cual la convenció para que trabajase también delante de la cámara. Esta aceptó la proposición y consiguió el papel de Milady de Winter, en Los Tres Mosqueteros, con Douglas Fairbanks. Aunque anteriormente había aparecido en The Nut, con el marido de Pickford.

A la edad de 17 años se casó por primera vez, aunque el matrimonio apenas duró un año. En los próximos doce se casaría otras cuatro veces, siendo el último con el actor Jack Dougherty.
Durante todos esos matrimonios, Barbara tuvo un gran número de amantes, tanto hombres como mujeres incapaces de resistirse a sus numerosos encantos.
Años después de su muerte se reveló que había tenido un hijo ilegítimo. El nombre del padre nunca se reveló. El niño fue adoptado por la actriz ZaSu Pitts, y rebautizado como Don Gallery.

Podríamos decir que el nivel de vida de Barbara la obligaba a trabajar desde temprano hasta la noche, cuando se iba a alguna de las numerosas fiestas de las estrellas de la época. Dormía una o dos horas, o quizás empalmaba noche y día y vuelta a empezar. Durante esa época se aficionó tanto a la heroína como a los narcóticos. Eso unido a un gran ímpetu y energía a la larga acabaron con todas sus fuerzas. En sus propias palabras, no dormía más de dos horas al día para disfrutar de la vida. Murió en 1926 a causa de una sobredosis. Tenía 29 años.

Y como siendo una triste, aunque afortunada costumbre, esta joven y preciosa actriz nos dejó un legado de películas que nos recordarán que tiene un sitio en el Olimpo de Hollywood, y bien merecido. Un lugar para uno de los rostros más bellos del celuloide de la época junto a Mary Pickford o Clara Bow.

Desde SoloCineClásico recomendamos los siguientes títulos:

The Nut (1921) con Douglas Fairbanks
The Three Musketeers (1921) con Douglas Fairbanks
The Prisoner of Zenda (1922) de Rex Ingram
Souls for Sale (1923) con Charles Chaplin y William Haines
Strangers of the Night (1923)
The Eternal City (1923)
The White Moth (1924)
The Heart of a Siren (1925)

P.D.: El vídeo merece la pena

Figuras del Cine Clásico: Humphrey Bogart

2010-02-03T15:58:00.006+01:00

Nací cuando ella me besó, morí el día que me
abandonó, y viví el tiempo que me amó

Hablar de cine clásico es hablar de personas, personas que fueron responsable de aquella maravillosa época.
Saltan a la memoria infinidad de nombres propios a cual más importante. Podríamos intentar hacer una lista con las 10 figuras más importantes del cine clásico, pero durante la realización de la misma nos saldrían 10 veces ese número e incluso más.
Así que no hay remedio que ir uno por uno y hoy me decanto por Humphrey Bogart:

Humphrey DeForest Bogart nació el día de Navidad de 1899. Se crió en una familia acomodada de Nueva York, la cual le instó estudiar medicina como su padre, aunque el joven Humphrey decidió alistarse en la marina estadounidense después de ser expulsado de la Academia Phillips por mal comportamiento.
Fue destinado como marinero al buque S.S. Leviathan durante la Primera Guerra Mundial. Desafortunadamente, el barco fue atacado por un submarino. Un fragmento astillado de madera saltó y le rasgo la boca, afectando para siempre su forma de hablar.

Al volver a NY, trabajó para William A. Brady como administrador en la compañía cinematográfica de teatro World Film Corporation. Junto a su amigo e hijo de su jefe, William S. Brady, decidió probar suerte en Broadway junto a , con más pena que gloria.
Debido a su aspecto de matón y su forma de hablar, le fue difícil aspirar a conseguir papeles de galán de la época.

En la década de los 30 se trasladó a Hollywood a probar suerte delante de la pantalla.
En 1932 apareció en Three On A Match, película con la que salió del anonimato.
En The Petrified Forest, el actor protagonista, Leslie Howard pidió a la Warner que el papel de Duke Mantee recayese en Bogart.
Durante aquellos años, Bogart adoptó el papel de tipo duro lo que lo consagró como actor.
Quizás la primera gran película que lo alejó del mundo de los mortales fue High Sierra, en 1941.
Ese mismo año protagonizo The Maltese Falcon, primera película de un joven John Huston, y que para muchos cinéfilos, supuso el comienzo del Cine Noir.

Al año siguiente realizaría la que es considerada su mejor película y obra maestra del cine clásico: Casablanca, por la cual recibió su primera nominación al Oscar. La película ganaría tres aquel año, Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión.
A raiz de Casablanca, Bogart pudo cambiar su registro interpretativo y dar vida a galanes con una dura fachada.

Los años 40 no podían haber comenzado mejor para Bogart. Si aquellos fueron los años dorados del cine clásico, digamos que su carrera fue en paralelo.
Algunas de las películas que tuvo la oportunidad de protagonizar en aquella época fueron: Sahara (1943); The Big Sleep (1946); Dark Passage (1947); Dead Reckoning; o The Treasure of Sierra Madre (1948). Pero si pudiesemos destacar alguna de esas películas de aquella época, haría referencia a To Have and Have Not (1944), donde conoció a una jovencísima Lauren Bacall (20 años) que posteriormente sería su cuarta y última esposa.

Todos los expertos opinan lo mismo sobre Bogart y los años 40, pero para mi, las dos mejores películas del actor neoyorkino, a nivel interpretativo: The Africa Queen (1951) por la que ganó el Oscar a Mejor Actor, y The Caine Mutiny (1954), donde realiza su mejor interpretación. Si tuviera que destacar una única película de su filmografía me quedaría con esta.

Bogart moriría en 1957 afectado de un duro cancer. Bacall permanecería con el hasta el último momento.

Desde Solo Cine Clásico recomendamos sus siguientes títulos:

The Petrified Forest (1936) de Archie Mayo
Angels with Dirty Faces (1938) de Michael Curtiz
Dark Victory(1939) con Bette Davies
Invisible Stripes (1939) con William Holden
High Sierra (1941) de Raoul Walsh
The Maltese Falcon (1941) de John Houston
Casablanca (1942) de Michael Curtiz, con Ingrid Bergman
To Have and Have Not (1944) de Howard Hawks, con Lauren Bacall
The Big Sleep (1946) de Howard Hawks, con Lauren Bacall
Dark Passage (1947) con Lauren Bacall
The Treasure of the Sierra Madre (1948) de John Huston
Key Largo (1948) de John Huston, con Lauren Bacall
In a Lonely Place (1950)
The African Queen (1951) de John Huston, con Katharine Hepburn
The Caine Mutiny (1954) con José Ferrer
Sabrina (1954) de Billy Wilder, con Audrey Hepburn

Películas- Años 40: Sherlock Holmes y la perla maldita (1944)

2010-01-22T01:17:00.012+01:00

The pearl of death (7,5/10)

En "Sherlock Holmes y la perla maldita", también traducida como "La perla de la muerte", encontramos a la pareja que se caracterizó por interpretar la dupla Holmes-Watson, los actores Basil Rathbone y Niguel Bruce.

Esta vez Holmes, luego de lograr evitar el robo de una perla preciosa, comete un error y pierde dicha joya, para recuperarla deberá utilizar todo su ingenio, siempre acompañado de su fiel amigo Watson. Dirigida por Roy William Neil, la historia esta cargada de situaciones de intriga que se van resolviendo hasta armar el rompecabezas principal, pero a su vez cada deducción o parte develada funciona como problema autónomo. Esto es quizás una diferencia notoria con las distintas películas de misterio de hoy en día, en donde las pistas se van encontrando sin saber hasta el final dónde encajan. Aquí en cambio, el camino hacia la resolución contiene pistas-problemas y cada una se va resolviendo hasta que todas confluyen en el dilema central pero habiendo saciado nuestras ganas de ir viendo a Holmes deduciendo y resolviendo pequeños escollos a lo largo del metraje. Recuerdo vagamente algunas películas de Poirot, por ejemplo, en las que las deducciones y explicación se le daban al espectador solo al final y en eso residía el suspenso. Y si bien con Holmes no se sabe todo, el guión se presenta algo más escalonado. Esto no quiere decir que una u otra opción sea mejor, solo diferente.

El The pearl of death el interés se mantiene a través de las intrigas que van develandose para dar paso a la siguiente y no tanto a raíz del temor a lo que acontecerá, a un peligro, etc. Si bien la cinta cuenta con escenas que generan tensión, donde la música (Paul Sawtell) y la fotografia (Virgil Miller) acompañan perfectamente el clima, el tono principal es más relajado, pensante y por momentos hasta divertido.
Las actuaciones estan bien, pero las más destacables son la de los protagonistas.
Algunas líneas de diálogo suenan forzadas "como de libro", algo que suele ser común encontrar en las películas más viejas.
También tenemos algunos puntos del guión algo flojitos. Por ejemplo: que a Holmes, justo a Holmes, se le escape la "demasiado" evidente mirada con intensión del malvado hacia la llave de luz. O la facilidad de todos de acceder a la residencia Holmes como si el ama de llaves dejara entrar a cualquiera sin el mínimo reparo. Pero son pequeñeces.
Una cosa que aporta mucho son los diferentes disfraces de los personajes que ayudan a despistarnos por momentos, sin saber si será Holmes en uno de sus "trucos deductivos" o el malo en cuestión "que nos pisa los talones". En este sentido, tanto los tiempos como la cámara funcionan perfectamente para crear confusión e intriga.

Una peli entretenida, con muchos puntos destacables y algunos que se evidencian antiguos, pero en general, recomendable.

Vuelve a vivir: Feliz 2010

2009-12-31T19:33:00.003+01:00

Os habla Redna, puede que no haya tenido mucho tiempo para actualizar el blog, pero aqui estoy, y como bien ha dicho Sean desde este blog os deseamos a todos un feliz año.

Os quiero desear de parte de todos otra vez un feliz año nuevo. Y que mejor manera de desearoslo que con una de las escenas mas conmovedoras de la historia del cine. Si se os caen unas lagrimas no os asusteis, a mi siempre se me caen con esta escena y con esa cara de felicidad de Steward.

Feliz 2010 y feliz 31 de Diciembre 2009. Estas palabras nos hacen inmortales.

Solo Cine Clásico te desea un Feliz 2010!

2009-12-31T17:48:00.003+01:00

De parte de los colaboradores de este blog y de un grupo de cineastas con los que lo vamos a pasar de puta madre esta última noche de este desastroso 2009, os deseamos a todos los que nos seguís habitual mente, y dejáis algún que otro comentario, haciendo que la labor de blogger sea más llevadera, una feliz entrada de año y no os atragantéis con las uvas (los que las toméis)

Felicidades!!!

P.D.: En la foto aparecen al fondo, de izquierda a derecha: Robert Mulligan, William Wyler, Georges Cukor, Robert Wise, Jean Claude Carriere y Serge Silberman. Al frente: Billy Wilder, Georges Stevens, Luis Buñuel, Alfred Hitchcock y Robert Mamoulian.

Películas - Años 50: Con Faldas y a lo Loco (1959)

2009-12-31T16:22:00.005+01:00

SOME LIKE IT HOT (9/10)

Tres grandes comedias en la historia del cine clásico: The General, Modern Times y Some Like It Hot, seguramente la obra más querida de su director, ese Dios que se apodaba Billy Wilder. La cinta está considerada como una de las mejores comedias jamás hechas (n.º 1 en la lista de las grandes comedias de la American Film Institute y 14.º en la Lista de las 100 mejores películas americanas). Lo que ya os da una idea del material que tenemos entre manos, pero pasemos directamente a la acción.

Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon), son dos músicos de jazz que presencian un ajuste de cuentas en un garaje conocido como la Masacre de San Valentín, durante la prohibición en los años 20. Los gangsters se dan cuentan y se proponen a liquidarlos cuando inesperadamente se salvan y comienza una frenética huida para salvar los cuellos. En vista que los gangsters tienen controladas todas las salidas de la ciudad, Joe y Jerry no tienen más remedios que disfrazarse de mujeres y huir con una banda musical de chicas que parten hacia Florida, en el transcurso del viaje conocerán a Sugar (Marilyn Monroe).

Para esta comedia, Wilder contó con su actor fetiche, Jack Lemmon, para el papel de Jerry, el gracioso del dúo. Dúo completado por Tony Curtis, que hace el papel de galán, aunque también tipo gracioso, que busca conquistar a Sugar, de la cual se acaba enamorando.
Para el papel de rubia buenorra y resultona, de grandes... ojos, y algo corta, ¿qué mejor que la rubia buenorra y resultona, de grandes... ojos, y algo corta favorita de América, Marilyn Monroe?
Curiosamente, esta actuación le valió a Marilyn el Globo de Oro, y muchos podrías pensar que ¿por qué?, si basicamente hizo de si misma. Al parecer, durante el rodaje, Monroe ya andaba con una de sus constantes depresiones; sufría de insomnio; dolores de cabeza; le costaba memorizar sus diálogos, lo que la enemistó con todo el equipo y especialmente con Curtis, que aunque negaría años más tarde, afirmó que besarla era como besar a Hitler; durante el rodaje se quedó embarazada y tuvo un aborto... en fin, fue una locura tanto para el equipo como para ella, sin embargo su trabajo es más que notable, y aunque para mi Monroe siempre será una rubia tonta con un buen par de... ojos, no puedo sino quitarme el sombrero por su trabajo, al menos, en la cinta de Wilder. Bravo. Muchos fueron los sorprendidos porque no nominasen a Monroe al Oscar por el papel de Sugar, yo entre ellos, hoy... no entonces.

La película ganó un Oscar, de los seis a los que estaba nominados, entre ellos mejor actor para Lemmon, mejor director para Wilder y mejor guión adaptado, también para Wilder y I. A. L. Diamond, el cual coescribió el genial guión basándose en una historia de Robert Thoeren y Michael Logan (en dicha historia no había gangsters), que sirvió para realizar Fanfaren der Liebe, una película alemana de 1951. Por lo que muchos consideran, Con faldas y a lo loco un remake.

Sin duda alguna, lo que pasará a la posteridad y a la historia del cine con mayúsculas es la frase final que, si no habéis visto la película, os recomiendo que no veáis el vídeo:

Es en este 2009, cuando esta maravillosa cinta cumple los 50 años de edad con la misma frescura y originalidad que el día de su estreno.
Esta es la tercera y última película que os tenía reservadas, y creo que la última que analizaremos este año, así que dentro de unas horas, en el 2010, comenzará otro año en el que llegarán muchas más películas y cineastas dispuestos a adquirir un rinconcito en este blog dedicado exclusivamente a ese maravilloso periodo que fue el Cine Clásico.

Películas - Años 30: Lo que el viento se llevó (1939)

2009-12-30T20:21:00.007+01:00

GONE WITH THE WIND (9/10)

Lo que el viento se llevó es una obra muy grande y muy compleja como para poder reseñarla con facilidad. Eso implica que inevitablemente me voy a dejar muchos detalles.

Lo que el viento se llevó es el cine por excelencia es una demostración de su evolución y de lo que era capaz la industria de Hollywood. Y eso queda claro en todo tipo de listas y tops que se hacen año tras año, la cinta está ahí. Es verdad que algunos de ellas tienen poca credibilidad, pero hay cintas como ésta, Casablanca o el Ciudadano Kane que siempre están ahí y si después de tantos años permanecen ahí es porqué se lo merecen. La cultura popular también tiene muy presente el film aunque sea de manera inconsciente: todo el mundo ha dicho alguna vez la célebre frase “a diós pongo por testigo que…” o la frase con la que acaba el film “mañana será otro día”… Mucha gente sabe perfectamente quien es Scarlett O’Hara… Así que podemos afirmar que Lo que el viento se llevó sigue viva después de 70 años, pocas son las películas que pueden decir tal cosa.

El film tiene muchos prejuicios. Principalmente por sus 4 horas de duración. Eso hace que muchos no se atrevan ni a verla. Pues bien, yo puedo decir que después de haberla visto 3 veces en 3 años, me sigue pareciendo un peliculón. En 1939 pocos podía imaginar que se podría hacer una película en color con tan bella fotografía, de Ernest Haller & Ray Rennahan, porqué Lo que el viento se llevó no son solo unos actores muy bien dirigidos interpretando buenos y contradictorios personajes. Formalmente el film es una maravilla de la época. Un juego de luces sombras impresionante. En momentos como la subida de la colina se te ponen los pelos de punta, visualmente perfecta. La banda sonora de Max Steiner es de esas que perdura, de esas que se quedan grabadas en la memoria para siempre… de esas que como los símbolos de marcas comerciales relacionas inevitablemente al producto, en este caso a la película. Una pequeña carta de presentación. Para presentar una tormentosa historia, sobre amor, celos, dinero, egoísmo, engaño, guerras, contradicciones, miedos, venganzas…

Contar de que va Lo que el Viento se Llevó en pocas palabras no es fácil, es una trama compleja donde la contextualización, en plena Guerra de Secesión americana juega un papel clave. La protagonista, una joven engreída y consentida Scarlett O'Hara es el centro de atención de las fiestas en las mansiones sureñas. La joven está enamorada de Ashley quien está enamorado y prometido con su prima Melanie. Todo transcurre con normalidad hasta el inicio de la guerra, que hace que todos los hombres, incluido Ashley vaya a luchar. Es justo en ese contexto cuando aparecerá Rhett Butler, un vividor que solo mira por sí mismo. La película narrará la relación entre esos dos fuertes caracteres, Rhett y Scarlett antes, durante y después de la guerra.

Es una historia que necesitaba esas 4 horas de metraje, es más creo que uno de sus hándicaps es que no acaba de estar del todo bien resuelta. No, no me refiero a la archiconocida frase que él le dice a ella antes de irse, ni al último plano con una Scarlett dispuesta a volver a levantarse… sino a todos los acontecimientos anteriores. SPOILER Sin casi tiempo para respirar y asimilar se mueren el segundo hijo que estaban esperando los protagonistas, Bunny y Melanie. FIN SPOILER. Todo muy precipitado si lo comparamos al tratamiento y la evolución de las relaciones personales entre todos los protagonistas.

El gran acierto del film a parte de la fotografía y su partitura es el tratamiento de los protagonistas y lo detallados que están. Todo protagonista sufre una evolución, no hay personaje en segundo plano, hay más importantes que otros pero todos están trabajados. Eso da lugar a una riqueza de personajes que se ha visto en pocas películas más. Y lo que resulta más brillante es que después de ver la película no acabas de entender algún comportamiento de sus dos protagonistas Rhett Butler y Scarlett O’Hara, porqué como nosotros están llenos de contradicciones, ni ellos mismos parecen saber el rumbo de su vida, viven al límite y siguiendo sus instintos. Scarlett O’Hara es un personaje enigmático. Engreída y consentida, vivía en su mundo de fantasía, de papá y mamá hasta que la guerra le hizo bajar a la tierra de los mortales. Con la guerra a parte de perder su primer marido, perdió todo lo que ella más quería, prestigio, riqueza y bienestar social y su tierra Tara. Para recuperarlo decidió que trabajaría, y se rompería la espalda para restaurar Tara. Pero paradójicamente, cuando se recuperó y volvió a disfrutar de una vida llena de privilegios, volvió a sus niñerías y quejas por tonterías. Es que todo ese esfuerzo no le ha hecho ver que el mundo es muy diferente de lo que se pensaba… o es que considera que ahora que ya ha vuelto a su situación normal puede volver a comportarse como una mocosa impertinente…. Quizás se entera demasiado tarde que en ese momento está teniendo su vida imaginada, con un marido que la quiere, una vida como la que había soñado… Tara no es un trozo de tierra. En esta película como en otras, Tara es un personaje por si solo, un personaje que permite a Scarlett levantarse cada vez que se cae, un personaje que es el que le da fuerzas para no desvanecerse en los momentos difíciles. Por otro lado tenemos a Rhed Butler, un tipo egoísta que ha ido por libre toda la vida. Un hombre que se define por no es un caballero, que deja las cosas claras desde un principio, y que intenta conquistar el corazón de Scarlett, pero lejos de convertirse en su príncipe azul decide participar en su juego de a ver quién es más terco y más tozudo, quien aguanta más sin darse cuenta que están hechos el uno para el otro, para ver que están hechos de la misma pasta, y que solo pueden ser ellos mismo cuando están juntos y no tienen que fingir delante la sociedad. Un hombre que parece que se ponga una máscara para no herirse, que en realidad si es un caballero, pero es consciente que no lo tiene que mostrar si no quiere que se aprovechen de su bondad. En un segundo plano pero no menos importante para el desarrollo del film están Ashley y Melanie, los criados fieles, las hermanas y los maridos de Scarlett. Todos sufren su evolución, pero siempre acompañando la trama dejando el protagonismo a los verdaderos protagonistas de la función.

El casting de actores es extremadamente acertado. Clark Gable es el encargado de interpretar a un tipo a priori sin muchos escrúpulos, que lo único que le interesa es él mismo que evoluciona a un tipo herido, cansado de ser siempre el segundo plato, y que aunque quiere a Scarlett sabe que nunca van a tener la vida de casados que algún día imaginó que podrían tener. Vivien Leigh interpreta a Scarlett O’Hara. Una cara bonita, con mucho don interpretativo a su espalda, una excelente actuación que ha permanecido, permanece y permanecerá en la historia del celuloide. Olivia de Havilland interpreta a Melanie, un personaje que es la bondad personificada, Leslie Howard interpreta a Ashley, y finalmente mención aparte se merecen Hattie McDaniel y Butterfly McQueen quienes interpretan a dos criadas de Scarlett, la primera fue la primera actriz de color en recibir un Oscar, que por desgracia no pudo recibir en la ceremonia porqué no se permitía la entrada a negros, y la segunda consigue crear un personaje simpático y gracioso.

La película tuvo hasta cinco directores: Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming. Aunque al final solo aparece este último. Se ve que el rodaje fue una tarea titánica.

A los americanos les gusta mucho mirarse al ombligo, un ejemplo de eso es la cantidad de películas sobre su corta historia, si la comparamos con los países europeos. Si bien es verdad que su historia de para mucho, es curioso que muchas de ellas han sido multipremiadas en los oscars… En este caso todos merecidos, Lo que el viento se llevó es un acurado reflejo de la guerra de Secesión, 16 nominaciones y 10 galardones en el bolsillo.

Como conclusión, Lo que el viento se llevó es una cita ineludible a la historia del cine. Imprescindible más allá de si después te gusté más o menos.

PD: Si no os gusta la crítica, me importa un bledo ;)

Películas - Años 40: El Tercer Hombre (1949)

2009-12-29T18:47:00.008+01:00

THE THIRD MEN (9/10)

Continuamos con este especial que comencé ayer y nque trata de ni más ni menos que recordar/recomendar 3 grandes películas para estas navidades de 1939, 1949 y 1959, que además cumplen su 70, 60 y 50 aniversario respectivamente. No tienen porque tener nada que ver con la Navidad!

Ayer vimos Ninotchka, cuya historia transcurría principalmente en París. Hoy tampoco salimos de Europa, y es que la conocida película de Carol Reed, El Tercer Hombre, esta centrada en la bella capital austriaca, Viena.

Holly Martins (Joseph Cotten) es un fracasado escritor de novelas policíacas que llega a la Viena de después de la 2 Guerra Mundial, por petición de su amigo de infancia, Harry Lime (Orson Welles) , que le ofrece un trabajo. Pero al llegar a la ciudad, Holly descubre que Harry ha muerto atropellado por un coche, por lo que ya no tiene nada que hacer allí... ¿o si? Sorprendido por el extraño comportamiento del jefe de la policía militar británica (Trevor Howard), y tras conocer a la bella novia de Harry (Alida Valli), Holly decide averiguar que es lo que le pasó realmente a su amigo.
Lo gracioso de esta película, es que todos llegamos a Viena, perdidos, como Holly, y deseamos encontrarnos con el personaje de Welles, pero este está muerto, y los que sentimos adoración por el cine clásico no podemos quedarnos impasibles sabiendo que Welles está muerto nada más empezar la película, eso fue al menos el factor que más tiró de mi al ver la película.

Autentica joya y obra maestra del cine negro, un género que si no es mi favorito, aplaudo en esta cinta. Aunque la película está dirigida por Carol Reed, escrita por Graham Greene y Alexander Korda, y protagonizada por Joseph Cotten, es Orson Welles el autentico maestro y artífice de la maestría de esta película, rodada entre Londres y Viena... me explico.

Welles, genio entre genio, pero también, excelente aportador de buenas ideas en proyectos ajenos, añadió la dosis necesaria para hacer de esta, ya buena película, algo más. Por ejemplo, en la labor de dirección, se nota la influencia de Welles en la angulación de algunas tomas, una rica profundidad de campo, la personalidad de los personajes, la lograda ambientación. La escena final en las alcantarillas es 100% Welles.
También aportó a la historia el increíble monólogo sobre Suiza y los Borgia, en la escena de la noria. Y aunque la actuación de Cotten, un actor infravalorado y de mucho talento, es excelente, Welles se come la pantalla en las breves escenas en las que aparece demostrando quien es el amo. La primera aparición de este, entre las sombras, con una luz de un piso superior encendiéndose e iluminándole es para muchos la mejor presentación de un personaje en la historia del cine.
La escena final es quizás también uno de los finales más valientes y sorprendentes de la historia.

La película también cuenta con una hermosa banda sonora, compuesta e interpretada por Anton Karas que aprovecha la situación geográfica de la historia para tocar con una popular citara, típica en Austria y que acompaña a las escenas de exterior rodadas en Viena; y la colosal y ganadora del Oscar fotografía en blanco y negro de Robert Krasker.

La cinta ganó la Palma de Oro de Cannes.

Mañana la última cinta de este especial y puede que la película con la que cerremos este provechoso 2009.

Películas - Años 30: Ninotchka (1939)

2009-12-29T17:40:00.007+01:00

NINOTCHKA (8/10)

Como quedan unicamente tres días para que acabe el año, y la década, aprovecharé para echar un vistazo a tres de mis películas favoritas del cine clásico, y que os recomiendo veáis si podéis en estas fechas de descanso. Además, lo que tienen en particular estás películas es que en este 2009 cumplían años acabados en 0, algo más especial.

Hoy quisiera comentar la película de 1939, Ninotchka, del genial director berlinés Ernst Lubitsch, que este año hace 70 que vió la luz.

La película arranca con la llegada de tres representantes de la URSS a la hermosa ciudad de París con el propósito de vender las joyas de una duquesa que, huyendo de la revolución, las dejó en tierras rusas. Enterada de la noticia, la duquesa envía a su vividor amante, el conde d'Algou, para evitar esa venta. El conde traba amistad facilmente con los tres rusos derrochando carisma e ingenio y evita la venta de las joyas. Los tres rusos, asombrados por el propio conde, y los lujos que presenta la capital francesa, se rinde a sus deseos y comienza a vivir el día a día en la ciudad de un modo "muy poco" comunista. Al pasar los días, y no recibir noticias de la misión de los tres enviados, Moscú envía a un nuevo enviado a París para averiguar el paradero de las joyas y los tres elementos. El enviado no es ni más ni menos que una joven y seria comunista convencida que se hace cargo de la misión y de cumplir el objetivo de la misma. Como no podía ser de otro modo, el conde d'Algou vuelve a repetir la misma jugada pero se enamora de la joven. Esta hace caso omiso de los intentos de conquista del conde, lo cual no hace más que atraer más y más a este. Dejándonos divertidos e inolvidables diálogos entre ambos, finalmente, Ninotchka se enamora del conde, pero una celosa duquesa consigue que Ninotchka vuelva a ser reclamada en Moscú, separando a la pareja. (Y ese no es el final)

Para el papel protagonista, Lubitsch contó con una de las estrellas del momento, Greta Garbo, la cual solía interpretar papeles dramáticos, por lo que su bello rostro acostumbraba a presentarse serio. En esta genial comedia, escrita entre otros por el inigualable Billy Wilder, la Garbo ríe. O al menos esa fue una de las frases que más populares hicieron a la película, ya que la famosa actriz no solo sonreía de mitad de la película hasta el final, sino que la primera vez que lo hace es con una sonora carcajada. Una risotada sincera, franca, como si llevase años guardada y esperase a la ocasión idónea para salir. Eso atrajo al público y a sus fans para ver tan inusual reacción de una de las divas del momento. Otro día os traeré un video en el que Buster Keaton también ríe.
El otro gran personaje de la película es el conde d'Algou, interpretado magistralmente por Melvyn Douglas, el cual es lo opuesto al personaje de Garbo y que al encontrarse con tal extraña y bella persona no puede sino enamorarse perdidamente.

La película es una clara crítica por parte de Wilder y Lubitsch del régimen soviético y como transformaba a las personas en seres más desgraciados o menos humanos. Claro reflejo de los 3 rusos que acaban encantados de los lujos de París, el cambio de personalidad de Ninotchka, o la increíble conversación de esta última y su compañera de piso hacia el final de la película sobre la ropa en París.

La película estuvo nominada a 4 Oscars, incluyendo Mejor Película y Mejor Actriz.

Como curiosidad, Bela Lugosi tiene un pequeño papel en la cinta.

Mañana, 30 de Diciembre, una película de 1949; y pasado mañana, 31 de Diciembre, una de 1959. ¿Favoritas?, ¿qué películas de cine clásico os gusta visionar en estas fechas?

Películas-Años 60: Vencedores o vencidos (1961)

2009-12-27T14:21:00.011+01:00

JUDGEMENT AT NÜREMBERG (10/10)

Al final de la Segunda Guerra Mundial, se llevaron a cabo los Jucios de Nuremberg, un conjunto de procesos judiciales en manos de las naciones aliadas vencedoras. En estos jucios se determinó y sancionó las responsabilidades de dirigentes, funcionarios y colaboradores del regimen nazi, juzgando ante todo los diferentes abusos cometidos en nombre del III Reich alemán a partir de Septiembre de 1939. Uno de esos procedimientos, el Juicio a los Jueces, tomó gran protagonismo pues en el banquillo de los acusados se encontraban justamente el aparato judicial nacionalsocialista encarnado en tres jueces populares de entonces y un médico encargado de las esterilizacones sanitarias. Fueron acusados principalmente de conspiración criminal, crímenes de guerra y crímenes contra la humanidad.

Stanley Kramer dirige entonces en 1961 Judgement at Nüremberg conocido, al menos en Argentina, con el nombre de Vencedores o vencidos donde se recrea en casi 3 horas de duración este juicio en particular. Con un reparto prodigioso que cuenta con nombres tales como Burt Lancaster, Spencer Tracy, Judy Garland y Marlene Dietrich entre otros grandes, El juicio de Nüremberg es sin dudas la mejor película sobre el holocausto que he visto en mi vida. Es que este film escrito por Abby Mann, quien ganó un Oscar por el mismo, no se queda en el mero formalismo de presentar los hechos recreativos del juicio en sí, no se enfrasca en la típica pregunta sobre si los reos son o no culpables- que es lo que en principio parece apuntar el film. En una infinidad de exposiciones alternativamente llevadas por las voces del fiscal, los testigos, el abogado defensor o el mismo Juez interpretado por Spencer Tracy, estamos constantemente ante innumerables cuestionamientos sobre lo que es justo o no, qué acciones definen realmente al hombre, qué es una dictadura, qué es el miedo, qué es ser humano. Un film altamente filoso y filosófico que como quien dice no deja títere con cabeza y apunta desde lo particular al gran interrogante universal sobre los derechos humanos y los crímenes. Parlamentos y juicios de valor que podrían perfectamente ser aplicados a cualquier dictadura histórica y mundial, parlamentos llenos de interrogantes morales y éticos sobre las acciones de los hombres, que en definitiva son las que lo definen.
La película, de una ambientación casi teatral, fue posteriormente llevada a las gradas con algunos de los actores del film, entre ellos el ganador del Oscar al mejor actor Maximilian Schell , quien interpreta a Hans Rolfe, abogado defensor de Ernst Janning (uno de los jueces más valorados de la época Nazi) interpretado asi mismo por un genial Burt Lancaster. Schell, curiosamente interpretó a Janning en la obra teatral que también tuvo tanto éxito como el film. Un actor que si bien está excelentemente acompañado por todos en esta obra maravillosa del cine clásico, diría sin exagerar que se lleva el film a cuestas. Su interpretación deja sin aliento y uno no puede menos que verse seducido por algunas partes de sus monólogos, algunos de los más punzantes del film. Seguido a este, tenemos un Montgomery Clift encarnando a Petersen, un testigo del juicio que cuenta sus experiencias personales cuando se le impuso la esterilización aún sin ser judío. Su interpretación es brillante y provoca lágrimas sin ponerse sobreactuado y melodramático.
El guión además nos deja entrever las repercusiones que este enjuiciamiento tuvo en el pueblo alemán- donde obviamente el film fue tibiamente recibido- y no sólo eso, nos muestra con apenas dos escenas, cómo este hecho también era polémico dentro de las mismas fuerzas americanas que se encontraban en una posición difícil ante la inminente guerra fría: si habían de necesitar el apoyo alemán para poder enfrentar a Rusia...¿cómo habrían de enjuiciarlos en su propia tierra?.
Sobre el film se podría decir mucho, realmente mucho, pero los invito a que la vean porque no bastarían palabras para describir ese magnífico contenido. Un film lleno de escenas y líneas memorables, con un final que deja perplejo y del que difícilmente se pueda uno olvidar tras su visionado. Crudo, pues entremezcla escenas reales de la época con las del film, irreprochablemente prolija y con una fotografía deslumbrante.
El juicio de Nüremberg es sin duda alguna, el juicio a la humanidad toda.

A continuación el genial Spencer Tracy pronunciando el veredicto final. Si bien sería considerado spoiler no hace a la ruina del film verlo, se los recomiendo porque son palabras profundas.

y para los que puedan entender el inglés este genial parlamento de Maximilian Schell, es el único que pude encontrar y si bien podría crearle los subtítulos hoy mi editor para pegarlos no quiere funcionar!, me disculpo por eso.

Jennifer Jones no ha muerto!!!

2009-12-20T13:52:00.008+01:00

Exacto. Muchos sabréis ya que hace unos días la legendaria actriz Jennifer Jones falleció en su residencia de California. Es un hecho innegable, pero ¿de verdad ha muerto?, ¿en serio lo creéis? ¿Cuándo muere realmente un actor?, ¿cuándo su cuerpo deja de funcionar, deja de luchar y rindiéndose expira? o ¿cuándo finaliza su última actuación delante de una cámara? Es decir, la última vez que alguien dijo "¡Corten!" y estaba en frente de una cámara. Podríamos hacer dos distinciones, una como actor y otra como persona. El actor muere cuando decide no hacer más cine, la persona muere cuando las fuerzas de su cuerpo le abandonan. ¿Cuándo murió realmente Jennifer Jones?

Pero... ¿y si en realidad un actor/actriz nunca muere? Y cuando digo actor/actriz también quisiera incluir a director, a guionista, a productor, a todas las personas relacionadas con un proyecto tan interesante y vivo como el que es una película. En tal caso, si aceptamos esta ajustada teoría como tal, podríamos asegurar que Jennifer Jones sigue viva en cada uno de los fotogramas de sus 27 películas.

Jones nació en 1919 en Oklahoma, en una familia perteneciente al mundo del espectáculo. Aunque probó suerte en Hollywood y consiguió un par de trabajos, decidió partir hacia Nueva York después de fallar en una prueba para la Paramount. Ya en NY, tuvo una prueba con el director David O. Selznick que sería el comienzo de una fuerte unión entre director y actriz. Se casarían más tarde en 1949 y estarían juntos hasta la muerte del director en 1965.

La primera gran película que protagonizaría Jones sería The Song of Bernadette, en 1943, de King Vidor, por la cual recibió su único Oscar. Con el paso de los años estuvo nominada cuatro veces más.

Jones fue una de las actrices más populares de la década de los 40 y 50, convirtiéndose en un gran reclamo para el público y siendo deseada por todos los director. Algunos de ellos fueron entre otros el gran Vittorio de Sicca, Vicente Minnelli, William Dieterle, William Wyler o John Houston.

Al morir Selznick su presencia en la gran pantalla fue disminuyendo considerablemente hasta su última película The Towering Inferno, en 1974. Después de eso se retiró oficiálmente.

Os pregunto ahora a vosotros: ¿murió después de 1974?, ¿murió hace unos días? ¿no ha muerto en realidad? La respuesta tiene más fuerza según lo que sintáis a lo que penséis, por lo que sentidlo y luego decidid.

Solo Cine Clásico recomienda sus siguientes películas:

- The Song of Bernardette (1943) de Henry King (actualizado)
- Since You Went Away (1944) de John Cromwell
- Love Letters (1945) de William Dieterle
- Duel in the Sun (1946) de King Vidor y otros
- Love is a Many-Splendored Thing (1955) de Henry King
- Towering Inferno (1974) de John Guillermin e Irwin Allen

Películas - Años 50: 12 Hombres sin Piedad (1957)

2009-12-11T17:03:00.006+01:00

12 ANGRY MEN (10/10)

Puede que algunos no lo sepais, pero un servidor tiene una lista personal de las que a su juicio son las 5 mejores películas de la historia. Una de ella las comentamos aquí, Ciudadano Kane, hay tres que no comprenden los años del cine clásico, así que solo queda una. 12 Angry Men.
Hablar de 12 hombres sin piedad es hablar de autentico cine. Aunque podría tratarse de una obra de teatro, presenta una historia tan fascinante y bien construida que permite su reproducción en un mismo escenario durante toda la película, lo que aporta un toque agobiente tremendo.

En toda película de juicios nos encontramos a los de siempre: el acusado (inocente o culpable), el abogado (con discurso final moralista perfecto para lucirse), el fiscal (tipo duro y grandilocuente que solo quiere ver cumplida la ley), el juez (un canoso señor aburrido que acabará aportando la guinda al pastel), los testigos sorpresa (a los cuales el abogado se come con patatas) o incluso el ujier (que llegados al climax de la película tendrá que sujetar al acusado cuando se levante a protestar)
Siempre es lo mismo amigos, siempre. Pero la película de Sidney Lumet presenta una diferencia, sus protagonistas van a ser unos personajes presentes en casi todas las películas de juicios pero a los que se les da casi menos importancia que al público, el jurado.
12 Hombres sin Piedad es una caracterización de 12 tipos diferentes de personas que unidas presentan un fiel retrato de la sociedad. Sus temores, su seguridad, sus dudas, sus creencias, su forma de razonar o expresarse, ya sea mediante palabras o gestos, es un claro guiño a la más básica confrontación entre los seres humanos.

Veamos, la película trata del proceso de deliberación de los miembros del jurado de un juicio por homicidio. Al parecer, un chico de los bajos fondos ha asesinado a su padre con una navaja automática. De ellos depende la sentencia, y en el caso de que unanimamente decidan declararle culpable, el destino del chavál sería la silla eléctrica. En un principio, la mayor parte de los miembros del jurado ven al chico culpable y comienzan votando a mano alzada. Todos levantan la mano excepto uno. El número ocho (Henry Fonda), que pide a los demás que lo hablen, ya que es la vida del muchacho la que está en juego y deberían tomarse más en serio lo que están a punto de hacer. No sabe si el muchacho es culpable o inocente, ya que en realidad, eso solo lo saben el chico y el fiambre. Otra cosa es lo que él o ellos crean, y él no lo sabe. Aquí comienza una lucha en solitario del número ocho tratando de convencer al resto de los miembros de los fallos de la defensa o las lagunas del propio juicio.

Al igual que Robert Mulligan con Matar a un Ruiseñor, 12 hombres sin piedad fue dirigida por un joven sin experiencia en el cine pero si en el teatro y en la televisión, Sidney Lumet, que lograría la primera de sus 4 nominaciones como mejor director con esta película, su opera prima. Aunque sin experiencia práctica en el mundo del cine, Lumet si estaba empapado de cine y televisión, y conocía ese mundo. Aportó además movimientos de cámaras pocos frecuentes en aquella época que dieron un toque muy elegante y en ocasiones dramático a la escena en cuestión.
Además contó con la superestrella, Henry Fonda, que además participó como productor (o a saber si fue al revés) y con secundarios de lujos o que a la larga se convertirían en tal, como Lee J. Cobb, que está a la altura de Fonda en todo momento; Martin Balsam o E.G. Marshall.

En la wiki, he encontrado un análisis genial de los personajes y lo que les caracteriza en comparación al resto.

Miembro 1: Un hombre común, impresionado y presionado con la responsabilidad que el estado ha colocado sobre sus hombros al nombrarlo presidente del jurado, trata de ser muy formal y respetuoso, y aunque no es muy brillante, se da a respetar.
Miembro 2: Hombre tímido y sin personalidad definida, duda constantemente y esto hace difícil que mantenga una opinión propia, se le persuade fácilmente por lo que su opinión será casi siempre la misma que la de la última persona que ha hablado.
Miembro 3: Es muy fuerte, rudo y testarudo hasta caer en lo sádico, es malhumorado y no le gusta escuchar otra opinión distinta a la de él, está acostumbrado a imponer su forma de pensar sin importar las consecuencias.
Miembro 4: Hombre de buena posición económica, se desenvuelve y habla con elegancia, es muy analítico y cuadrado hasta cierto punto, su suerte en los negocios hace que se sienta en ocasiones superior a los demás.ç
Miembro 5: Un hombre gris, tímido y callado, de estrato social bajo acostumbrado a cumplir con las normas de la sociedad para la que labora, le cuesta trabajo relacionarse con la gente, su falta de personalidad provoca que le falten al respeto.
Miembro 6: Hombre fuerte, honesto práctico y trabajador, suele cumplir con su trabajo sin meterse en problemas, por lo que siempre se atiene a los hechos, no soporta a la gente irrespetuosa y grosera.

Miembro 7 : Fanfarrón, presumido, altanero pero agradable vendedor, tiene cosas más importantes que hacer que sentarse a deliberar en una sala de jurados, es de temperamento explosivo y siempre está seguro de lo que dice aunque en realidad es tan inculto que no sabe en realidad de lo que está hablando.
Miembro 8: Callado y analítico, siempre trata de ver el otro lado de la moneda, es de valores arraigados por lo que valora mucho la importancia de la vida, cree firmemente en la justicia y tratará de luchar siempre para conseguir que se cumpla.
Miembro 9:Hombre de la tercera edad, vive de sus recuerdos y parece que sólo se mantiene con vida para no olvidarlos, en su juventud fue un hombre de ideales por los que luchaba hasta con el físico y su fuerza, hoy sólo puede luchar con la experiencia ya que su cuerpo cansado no le permite más.
Miembro 10: Un hombre amargado y molesto con la vida, es racista e intolerante, sólo valora su vida y no respeta credo, sexo o edad, es un hombre frustrado que sabe que nunca será un hombre importante, por lo que se desquita con los más débiles.
Miembro 11: Refugiado europeo, habla con acento, es humilde y está agradecido con el país que le abrió las puertas, no tolera la injusticia y los malos tratos ya que él padeció esto durante la guerra, por lo que siempre está dispuesto a conversar con tal de alcanzar un acuerdo justo.
Miembro 12: Joven publicista, ingenioso y agradable, ve a la personas como números, estadísticas y porcentajes por lo que no es fácil que entienda el lado humano de las cosas, es arrastrado por la vida y el mundo superficial de las agencias de publicidad, aunque en el fondo es un buen tipo.

La película abarca varios temas, y entre ellos yo destacaría el de objetividad que se supone ha de tener un jurado o un juez en un juicio, el evitar mezclar lo personal. El personaje de Henry Fonda es objetivo en todo momento, no dice que el chico sea culpable, pero tampoco inocente. Unicamente quiere que debatan el juicio, ya que el cree que no ha sido todo lo justo o correcto que debería haber sido. El personaje de Lee J. Cobb, al contrario, toma como personal el juicio, identificando al chico con su propio hijo y al padre asesinado como a el mismo al abandonarle su hijo.

Para ir acabando, en mi opinión hay tres tipos de películas: Las películas normales (que pueden gustar o no y que no son precisamente obras maestras); las grandes películas (que según los expertos y entendidos son obras maestras pero que no gustan a todos); y las obras maestras (aquellas que unen a crítica y público, esas son las grandes películas, ya que su mensaje es universal). El cine de Chaplin, por ejemplo, lo era; al igual que películas como El Padrino, Ciudadano Kane o La Lista de Schindler.

12 Hombres sin Piedad. Obra Maestra.

Figuras del Cine Clásico: Alice Guy

2009-12-07T17:35:00.004+01:00

LA PRIMERA MUJER QUE SE ATREVIÓ A HACER CINE

Asistió a una proyección privada que los Lumière organizaron para profesionales y amigos. Fue en marzo 1895, meses antes de que los célebres hermanos revolucionaran el mundo con sus documentales. Sentada ante la pantalla, la joven Alice Guy tuvo claro que quería hacer películas. Se plantó ante su jefe, León Gaumont, y le convenció para que su empresa de fotografía se dedicara también a la imagen en movimiento. Poco después aquella secretaria se convirtió en la primera directora de la historia del cine.

En 1897 era jefa de producción de la compañía francesa. Rodó documentales e introdujo la ficción en sus películas. En 1905 viajó a España para filmar producciones sonoras en castellano. Aquellos primeros filmes rodados por una mujer en España son ahora rescatados en el libro 'La estaciones perdidas del cine mudo en Málaga' (Diputación de Málaga), que firma el periodista de SUR y especialista cinematográfico Francisco Griñán. «Aquellas primeras películas apenas han sido investigadas desde nuestro país porque fueron realizadas por una mujer y su figura se ha difuminado con el paso del tiempo». A juicio de Griñán, Alice Guy es una de esas mujeres incansable a las que la historia le ha negado el reconocimiento.

Su espíritu innovador y experimental le permitió dirigir cerca de un centenar de películas sonoras con el sistema 'cronophone', más de dos décadas antes de que las películas hablaran oficialmente. Como jefa de producción imprimió un sello visual a las producciones de Gaumont, donde hizo escuela al formar a una serie de cineastas. Una huella que después llevó a EE UU donde fundó su propia productora, Solax, y se convirtió en la primera mujer que dirigía un estudio cinematográfico.

España también figuró en el mapa profesional de esta cineasta, que pudo desenvolverse con el idioma ya que de pequeña pasó algunos años en Chile. El libro reconstruye el recorrido de Alice Guy, que llegó a Barcelona para rodar zarzuelas para el catálogo de Gaumont. «Aprovechó el viaje para filmar documentales, las típicas vistas de la época, y recogió imágenes del Monasterio de Montserrat, la bulliciosa Puerta del Sol de Madrid, la Mezquita de Córdoba, el Guadalquivir a su paso por la Torre del Oro de Sevilla o los gitanos del Sacromonte de Granada».

En la capital hispalense también filmó unas curiosas películas de danzas españolas, entre las que figuraba 'La malagueña y el torero', que fue coloreada a mano. «Muestra imágenes curiosas ya que el torero aparece luciendo un imposible capote verde», señala el autor del estudio.

También un documental

Junto a los filmes de Guy, el libro, que se completa con la edición de un documental que pone imágenes a muchas de estas películas, rescata otras 34 producciones documentales y de ficción de la época muda, como la serie 'Danses espagnoles', rodadas en los Reales Alcázares de Sevilla en 1898 por un operador de los Lumière, o la desconocida 'Un día por Málaga' (1913-16), documental del catalán José Gaspar cuyas imágenes originales están siendo restauradas por la Filmoteca de Andalucía.

TOMAS GARCIA YEBRA - MADRID
El artículo está sacado del Diario Digital El Sur de Málaga

Películas - Años 50: Senderos de Gloria (1957)

2009-12-06T18:47:00.009+01:00

PATHS OF GLORY (9,5/10)

No permitáis que la ambición se burle del esfuerzo útil de ellos.
De sus sencillas alegrías y oscuro destino;
Ni que la grandeza escuche, con desdeñosa sonrisa
los cortos y sencillos hechos de los pobres.
El alarde de la heráldica, la pompa del poder y todo el esplendor toda la abundancia que da,
espera igual que lo hace la hora inevitable. Los senderos de gloria no conducen sino a la tumba.

Thomas Gray (1716 - 1771)

Este fue el contundente poema que inspiró a Humphrey Cobb para el título de su novela Paths off glory (1935), escrita a partir de sus vivencias en el frente durante la Primera Guerra Mundial.

Años más tarde, un joven neoyorkino llamado Stanley Kubrick adaptó la novela de Cobb a la gran pantalla con la ayuda de Calder Willingham y Jim Thompson, atraido por la historia y el tema central de la misma, la ejecución de unos soldados escogidos al azar de todo un batallón para dar un escarmiento al mismo por "cobardía" en el campo de batalla.
Una vez terminado el guión, Kubrick vio como todas las productoras le cerraban la puerta en las narices, incluso en un principio la United Artits lo hizo. Atraco Perfecto, la anterior película de Kubrick les había hecho perder unos 150000 dolares. Pero fue gracias a Kirk Douglas, fascinado con el guión, que el proyecto salió adelante. Para haceros una idea de la implicación a la que llegó Douglas con el proyecto, y gracias a un comentario de David; al parecer Kubrick entregó un segundo guión al papa de Michael Douglas con el final alterado. Los soldados finalmente no iban a ser fusilados, al verlo Douglas preguntó algo así como "Esto, ¿qué carajo es?" a lo que Kubrick respondió que un final alternativo ya que buscaban una película algo más comercial. Todos, o casi todos conocemos el final de Senderos de Gloria, imaginaos quien ganó el pulso.

El historia cuenta el fallido ataque de una división francesa a una posición estratégica de los alemanes durante la 1 Guerra Mundial. El número de efectivos y el equipo táctico no es el adecuado para dicha operación, pero el mando lo tolera y permite la misma, firmando la segura sentencia de muerte de miles de soldados. En cuanto las primeras oleadas de soldados caen fulminados como moscas en mitad de Tierra de Nadie, el resto de los soldados permanecen en la trinchera sin avanzar. El General al mando decide dar un escarmiento a sus soldados y obliga a sus oficiales a que escogan a un hombre de cada una de las tres compañías para fusilarlo.

La más clara intención de Kubrick en este film es denunciar la obvia injusticia que sufren los soldados por parte de los altos mandos, más preocupados en la propia estrategia militar o los 3 metros de fango y barro que van a poder arrebatar al enemigo. Prueba de ello es la propia misión de ataque a la colina alemana, que ya es un fracaso casi antes de empezar; o la propia farsa del juicio a los 3 soldados, con una sentencia ya firmada. Hay dos claros grupos, los altos oficiales y los soldados; entre medio está el Coronel Dax (Kirk Douglas) que aún siendo un oficial, lucha y sufre junto a sus soldados. Al ser nosotros meros espectadores nos podemos identificar con cualquier personaje, pero en este caso, nos encontramos en la disputa de dos grupos diferentes; lo más parecido a un término medio es el personaje de Douglas, por lo que nos convertimos en él y sufrimos impotentes al igual que este.

La película vino acompañada de una fuerte polémica en su estreno en Europa, sobretodo en Francia y Bélgica, países donde hubo protestas por como retrataban al ejército francés de cobarde y déspota, al ver a sus soldados huyendo y a sus oficiales presenciando la retirada de sus hombres desde un castillo a distancia. "La libertad es una cosa, y la insubordinación es otra" o "Sus hombres han muerto muy bien" fueron frases que no sentaron muy bien, ya que fueron identificadas con los altos mandos franceses, que instaron al gobierno de aquel momento a que no estrenasen la película en el país galo.

Para mí, Senderos de Gloria es una de las mejores películas bélicas de la historia; y a pesar de no ser 100% Kubrick, tiene muchísimos pequeños detalles de un director seguro de si mismo y deseoso de una mayor libertad para experimentar con sus películas a su libre antojo. Para mí, su mejor película.
2001, El Resplandor, La Naranja Mecánica, La Chaqueta Metálica... todas esas películas marcaron un antes y un después y son grandes películas... obras maestras; pero es con Paths of Glory, con la que más de acuerdo estoy con el enfoque de Kubrick. No le sobra nada, tiene una consistencia increíble y no puedes despegar los ojos de la pantalla. Es la primera gran obra maestra de Kubrick, un genio que estaba formándose en aquel momento y que con esta película paso exitosamente su prueba de fuego para acceder al Olimpo de los cineastas.

En esta película podemos disfrutar (al menos yo lo hago, y mucho) de los planos largos y sin cortes de Kubrick en escenas inolvidables como la del General Mireau pasando revista a sus hombres en la trinchera: "El fusil es el mejor amigo del soldado", o Douglas pasando por la trinchera hasta su posición con todos sus hombres dejando lo que están haciendo al pasar él.
Además de escenas inolvidables como cuando el General Mireau ordena bombardear las trincheras de sus hombres para que estos salgan a luchar fuera de ellas, el fusilamiento de los soldados, o la escena final, una de las más emotivas que he tenido la oportunidad de ver en mi vida y con la que cierro está crítica.

Chicas del Cine Mudo: Pola Negri (1894-1987)

2009-11-09T16:36:00.006+01:00

LA PRIMERA EUROPEA "MADE IN HOLLYWOOD"

Penélope Cruz, Marion Cotillard, Diane Kruger, Monica Belluci, Paz Vega, sin mencionar a las actrices británicas, son solo algunos de los nombres de actrices europeas que siendo famosas en sus respectivos países, dieron el salto a Hollywood con éxito. Yo mencionó a las de mi generación, mis padres a los de la suya, mis abuelos lo mismo, pero si tenemos que remontarnos a la primera, tendríamos que detenernos en Pola Negri.

De verdadero nombre, Barbara Apolonia Chalupiec, Negri fue la primera europea en triunfar en EEUU, más concretamente en el cine mudo, donde su fuerte acento polaco no era impedimento alguno en sus películas. Pero empecemos por el principio.
Pola Negri nació en Polonia en 1894 en una familia bastante pobre. Su padre fue arrestado por el ejército ruso y enviado a Siberia. Su madre y ella se trasladaron a Varsobia, donde Barbara comenzó a estudiar danza, aunque la tuberculosis frenó su carrera como bailarina.
Esta época de su vida es un poco incierta, ya que después de dejar la danza se preparó como actriz con uno de los mejores profesores de Polonia, pero supuestamente su familia vivía en las más absoluta pobreza...
El caso es que comenzó a hacerse un hueco en panorama artístico de su país, por lo que cambió su nombre a Pola Negri por la poeta italiana Ada Negri. Durante su época en Polonia actuó en películas como The Wife (Zona), The Beast (Bestia) o Students (Studenci).

En 1917 se traslada a Berlín = ) donde trabaja con directores de la talla de Max Reinhardt o Ernst Lubitsch. De esa época destacan películas como Die Augen der Mumie Ma, que se convierten en éxitos en el mundo entero, por lo que los estudios de Hollywood le ofrecen un contrato.
No se lo pensó dos veces. En América, Pola Negri se convirtió en una de las mayores divas de la estratosfera por su sensualidad, porte, estilo y glamour, completamente diferente al de las chicas americanas. Allí tuvo aventuras con Charles Chaplin (en la foto) y Rodolfo Valentino.
Fue tras la muerte de este último cuando se desató la "polémica", al anunciar Negri que Valentino y ella tenían planes de matrimonio. La actriz siguió el féretro en su viaje de Los Ángeles a Nueva York, luciendo en todas las paradas de tren para la prensa como si de su viuda se tratase. En numerosas ocasiones sufrió de "repentinos" desmayos en frente de las cámaras. Esto atrajo a la prensa, aunque amigos cercanos del actor aseguraron que esos planes de boda eran un engaño por parte de la Negri. La actriz Tallulah Bankhead fue de las que más criticó a Negri, en contraposición con Mary Pickford o Alberto Valentino.

Con la llegada del cine sonoro, la carrera de Negri entró en un punto crítico, ya que el fuerte acento polaco de la actriz no era del agrado del público.
Esto, y el perder toda su fortuna en el crack de la bolsa en 1929, la hicieron volver a Europa. Allí trabajó sobretodo en Reino Unido y Alemania, donde trabajó con Goebbels. En 1935, la película Mazurka, del director Willi Forst, se convirtió en todo un éxito, llegando a convertirse en una de las películas favoritas de Hitler. Uno de los rumores de la época es que Negri y Hitler mantuvieron una relación sentimental...
En 1938 se marchó de Alemania debido a su descendencia judía-polaca. Durante los siguientes años vivió entre Francia, Nueva York o Portugal, hasta que se estableció finalmente en Estados Unidos, donde se estableció finalmente para vivir junto a su compañera, Margaret West.
En 1951 fue nacionaliza estadounidense.

Pola Negri fue de las principales candidatas para el papel de Norma Desmond en el clásico Sunset Boulevard, ya que ella era un vivo retrato del personaje de Desmond. Los últimos años de su vida vivió rodeada de misterio y con los ecos de su nombre perdidos. En una entrevista, Wilder afirmó que Negri se puso histérica y furiosa cuando este le sugirió la posibilidad de que ella interpretase a Norma Desmond.

Aunque sufría de un tumor cerebral, el 1 de Agosto de 1987, Pola Negri murió a causa de una neumonía a la edad de 90 años.

Solo Cine Clásico recomienda sus siguientes películas:

Niewolnica zmyslów (1914) de Ryszard Ordynski
Die Augen der Mumie Ma (1918) de Ernest Lubitsch
Hotel Imperial (1927) de Mauritz Stiller
Mazurka (1935) de Willi Frost
The Moon-Spinners (1964) de James Neilson

Johnny Depp vs Chaplin, Keaton y Arbuckle.

2009-10-22T17:06:00.006+02:00

Estamos un poco vaguetes, así que hoy os tendreís que conformar con un único pero divertido video. Os traigo una de las mejores escenas de la película Benny y Joon, protagonizada por Johnny Deep, en la que interpreta a un joven analfabeto que adora el cine clásico, en especial a Buster Keaton.
La escena en cuestión ocurre en una cafeteria y es un claro homenaje al conocido número de los panes de Chaplin en "The Gold Rush", aunque el gag en realidad fue obra de Arbuckle en Rough House, de 1917, corto coprotagonizado junto a Keaton, pero esto en realidad es solo tema para un "curioso" debate...

Aquí otro vídeo en el que Deep da su opinión sobre este gag, y en concreto del modo en que lo realiza Chaplin.

P.D.: Al final del vídeo hace aparición una por entonces poco conocida actriz que ha día de hoy se ha convertido en una de las mejores del panorama internacional.

Los Simpson en el Cine Clásico... Los Diez Mandamientos

2009-10-18T17:55:00.003+02:00

LOS DIEZ MANDAMIENTOS /
HOMER CONTRA LISA Y EL OCTAVO MANDAMIENTO (2X13)

La última película del gran Cecil B De Mille es, sin duda alguna, una de las más recordadas y queridas de su carrera.
Con un jovencísimo, pero conocido, Charlton Heston, en el papel de Moises, y con un reparto plagado de estrellas como Yul Brynner, Anne Baxter o Edward G Robinson, Los Diez Mandamientos es seguramente la película de temática bíblica mas impresionante jamas rodada, aunque ya en 1923, De Mille había rodado la misma historia aunque con un presupuesto y medios completamentes inferiores.

Charlot, Keaton, Fatty, Lauren y Hardy, en el mismo corto!

2009-10-14T00:31:00.003+02:00

Hasta hoy no sabía de la existencia de este interesante corto titulado Golf Antics, y que es un conjunto de historias cortas de varios personajes jugando al golf. La principal característica que les une es que son las principales estrellas humorísticas del cine mudo. Buster Keaton, Charles Chaplin, Roscoe "Fatty" Arbuckle, Lauren y Hardy, Larry Semon y "Dizzy" Daniels, compartiendo 8 minutos de metraje y protagonizando distintas escenas usando cada uno su propio estilo.

Películas - Años 20: El Navegante

2009-10-10T13:33:00.006+02:00

THE NAVIGATOR (8,5/10)

En 1924, Buster Keaton ya se ha hecho un nombre en el mundillo de Hollywood. Como os comenté la semana pasada, ya era lo suficientemente conocido como para poder dar un rueda de prensa en la que defendía la inocencia de su amigo Roscoe Arbuckle.
Dos de las siete mejores películas de Keaton ya habían visto la luz, Our Hospitality y Sherlock Holmes Jr., y ahora le tocaba a The Navigator, traducido en España como El Navegante.

Rollo Treadway (Buster Keaton) es un joven millionario, bastante inútil, enamorado de su vecina, Betsy O´Brien (Katherine McGuire), que decide casarse con esta organizando todos los planes de la boda (incluyendo la luna de miel en un crucero), dejando para último lugar el preguntar a la chica si lo querré en la salud y la enfermedad, etc...
La chica dice que no.
Ante tal situación, Rollo decide partir el solo en el crucero para intentar superar la pérdida, pero este sale demasiado temprano, así que decide embarcar esa misma noche para no tener que madrugar. Al mismo tiempo, el padre de la vecina y ella misma van al embarcadero y descubren que un grupo de espías enemigos están soltando su barco para que este encalle. En medio de toda esta confusión, llega Rollo que se equivoca de barco y se mete en el del padre de su vecina. A este le tiran por la borda pero la chica se queda sola en el barco... un momento, ¿sola?, no, amigos, no. Rollo también va en el barco. Buster y la chica solos en un barco enorme a la deriva. Aquí comienza la película.

En El Navegante encontramos algunos de los mejores trucos y recursos cinematográficos de Keaton, como la sincronización de movimientos junto a Katherine McGuire; la situaciones desesperantes en las que ríes por no llorar; el modelo de héroe de Keaton, un joven tímido e inseguro que debido a las circunstancias a las que se enfrenta acaba madurando, siendo considerado un héroe y consiguiendo a la chica de la que está enamorado. Además de alguno de los momentos más inolvidables de su carrera cinematográfica como el paseo de la casa de Betsy a la suya; la frenética carrera de Buster y Katherine por el barco intentando encontrarse; la parte del traje de buzo y la posterior inmersión; la batalla a cohetes con los caníbales; y el inesperado final!

En esta película, Keaton ya tenía el control de total de la misma, ya que co-dirigía junto a Donald Crips, la producía, la escribía y la protagonizaba. Esto demuestra lo elevado de la posición de Keaton en aquel momento.
La película tuvo una buena acogida ante el público, pero la crítica no la aplaudió tanto, destacando el nota de prensa de Variety que decía: "La película de Keaton es irregular. Es decir, es a la vez banal y original, lo suficiente para hacer reír al espectador..." Aunque, eso sí, la revista aplaudía la mítica escena del traje de buzo.

Los Simpson en el Cine Clásico...

2009-10-07T12:20:00.004+02:00

Curiosa viñeta sacada de un comic de Los Simpson. En la parte inferior reconocemos de derecha a izquierda a Charles Chaplin, Fatty Arbuckle y a Buster Keaton.

Figuras del Cine Clásico: Roscoe Arbuckle

2009-10-04T19:33:00.010+02:00

FATTY ARBUCKLE
"EL PRIMER GRAN ESCÁNDALO DE HOLLYWOOD"

El nombre de la actriz de cine mudo Virginia Rappe pasaría a la historia, no por su deslumbrante carrera, o sus inicios en el mundo del celuloide. Todo lo contrario, por el final de esta, o lo que fue también el fin de su propia vida, aunque pocas cosas no escabrosas hay que destacar de su vida... tantas como de su filmografía.
El 9 de septiembre moriría en San Francisco a causa de una peritonitis. Las causas de estas, jamás lo sabremos, hay varias hipotesis, y una de ellas, llevada a acusación acabó con la carrera de Roscoe "Fatty" Arbuckle... pero, ¿de quién estamos hablando?
Remontémonos 34 años antes de la muerte de la joven Rappe (curioso apellido, ya veréis)

Roscoe Arbuckle nació en Smith Center, Kansas, aunque se trasladó a California, donde estaba emergiendo Hollywood, la nueva meca del cine. Aunque tenía experiencia de haber trabajado en el vodevil, e incluso tener el sobrenombre artístico de "Fatty" (debido a sus proporciones), en un principio, Roscoe se ganaba la vida como fontanero, hasta que un joven director de origen irlandes llamado Mack Sennet, que acababa de fundar la Keystones Kops, le ofreció trabajar en sus películas. A base de divertidas comedias con el sello característico de Sennet, alocadas carreras de coches, o batallas de tartas en las conocidísimas películas de Fatty and Mabel, donde compartía cartel con Mabel Normand, mujer de Sennet, Roscoe se dio a conocer al mundo entero.

Fue de esta unión donde surgió el conocidísimo "gag" del lanzamiento de tartas, el que todos hemos visto alguna vez en el que alguién arroja un pastel a la cara de alguien. Al parecer, a Arbuckle se le ocurrió la idea mientras estaban haciendo un picnic en El Paso, Texas, cuando se encontraron a los hombres de Pancho Villa en Rio Grande y empezaron a lanzarse frutas unos a otros. Cuando Arbuckle derribó a uno de esos hombres con un manojo de plátanos, estalló una sonora carcajada del propio Pancho Villa.

En 1916 ya era tan celebre como el mismísimo Charles Chaplin, por lo que la Paramount le ofreció un contrato, en el que se le garantizaba el control total de sus películas, además de crear la Comique Film Corporation exclusicamente para él, acontecimiento único en la época.

En 1917, presentó al mundo al que sería uno de los cómicos más grandes de la historia, Buster Keaton, con el corto The Butcher Boy. A raiz de esto, ambos artistas entablaron una larga amistad.

Los que conocieron en vida a Fatty, le consideraban un tipo altamente bromista con una personalidad fuerte y a veces complicada. En su vida tenía dos placeres, el alcohol y las mujeres, y le gustaba disfrutar de ambos en grandes cantidades, algo que se podía permitir perfectamente.

Cuando Arbuckle estaba en lo más alto de su carrera, decidió tomarse un merecido descanso, por lo que se fue a San Francisco junto a sus amigos Lowell Sherman y Fred Fishbach, registrándose en el hotel Saint Francis y alquilando las habitaciones 1219, 1220 y 1221. Lo que voy a narrar a continuación es un registro de distintas versiones que nunca podremos corroborar, pero dos cosas antes que nada. Uno, una chica llamada Virgina Rappe murió en aquel hotel; y dos, a pesar de haber sido acusado de la muerte de la chica, Roscoe fue declarado inocente.

Septiembre de 1921
Lo que supuestamente pasó:
Organizaron una fiesta, llamaron a un montón de chicas, compraron cantidades ingentes de alcohol y comenzó la juerga, juerga que se desmadró hasta alcanzar unos límites propios en los dorados años veinte.
A los dos días de haber comenzado la fiesta, Virgina Rappe se unió a la fiesta. Rappe era una joven actriz que había intervenido en películas de poca monta y como muchas en aquella época, tenía que buscarse algún papel en la cama de algún productor. Al llegar a la fiesta, Roscoe le recibió en pijama, lo que provocó las acusaciones de que el actor caminaba semidesnudo por los pasillos del hotel. Virginia empezó a ingerir grandes cantidades de alcohol, por lo que tuvo que ir al lavabo para vomitar. Arbuckle presenció la escena, por lo que fue detrás de la chica, encerrandose ambos en el baño durante 15 minutos. A las pocas horas, Rappe cayó gravemente enferma, siendo examinada por el doctor del hotel, el cual dictaminó que, probablemente, la mujer había sido intoxicada. Murió tres días después de peritonitis, causada por perforación de la vejiga. Dias más tarde, Roscoe fue acusado por una de las chicas que estuvo presente en la fiesta.
Lo que muchos medios de comunicación especularon, especialmente los de William Randolph Hearst, el pasivo protagonista de la maravillosa Ciudadano Kane de Orson Welles, fue que la chica había sido violada por Roscoe durante aquellos 15 minutos en los que estuvieron encerrados en el baño. Una de las versiones más escabrosas aseguran que ante la impotencia de Roscoe de no poder penetrar a Virginia, debido a sus 120 kilos de peso y a su algo grado de embriaguez, hizo uso de una botella de Coca-Cola, violándola y perdorandole la vejiga. Otros hablan de una botella de vino o un trozo afilado de hielo.
Cuando los médicos llegaron a la habitación, encontraron a Virginia en una tina con agua fria, donde había sido colocada en un desesperado intento por reanimarla. Arbuckle había colocado un pedazo de hielo a la altura de la vagina de Rappe, lo que le valió la acusación de haberla penetrado con un objeto puntiagudo de esa misma sustancia.

Roscoe fue llevado a juicio, el cual fue seguido por todo el pais y manipulado en muchos casos por los medios de comunicación en un claro intento de vender más y más y más...
Durante dicho juicio se probó que los daños en la vegija de Virgina podían haber sido consecuencia de un aborto practicado poco antes, y agravados como consecuencia de la gran cantidad de alcohol ingerido mezclado con medicamentos.
La figura de Virgina fue muy idealizada por los medios y por el fiscal durante el juicio, pero detalels que se obviaron fueron que esta chica había abortado, mínimo tres veces, se había prostituido o que había contagiado de sífilis colectiva a varios miembros de los estudios de Mack Sennet, aunque todo esto fueron rumores.

Aunque salió impune del juicio, la carrera y vida de Roscoe estaban acabadas. Hollywood le marginó y decidió plantar una clara muestra de repulsa y rechazo, aunque no todos acataron esa decisión. Uno de ellos fue Buster Keaton, el cual hizo una declaración pública en apoyo de su amigo, resaltando que Arbuckle era

"una de las almas más amables y bondadosas que había conocido."

Muchas de las películas de Roscoe se perdieron debido a que nadie mostró interes alguno en conservarlas. A día de hoy nos han llegado algunos de sus primeros proyectos, o aquellos en los que compartía papel con Keaton o Chaplin.
Durante los años siguientes viviría varios divorcios, además de sufrir de alcoholismo, algo a lo que Araminta Estelle Durfee, su primera mujer, se refirió como:

"Roscoe solo pareció encontrar consuelo en el fondo de una botella"

Con la ayuda de Keaton, intentó volver al mundo del espectáculo. Se rumorea que co-dirigió "El Moderno Sherlock Holmes" junto a Keaton.
Uno de los sobrenombres que iba a adoptar era Will B. Good, que era un juego de palabras que quería decir en realidad "seré bueno". Aunque finalmente adoptó el de William Goodrich.
El escritor e investigados británico David Yallop descubrió que el nombre completo del padre de Arbuckle era William Goodrich Arbuckle, de ahí el sobrenombre que adoptaría su hijo años más tarde.

Con la llegada del cine sonoro, la carrera de Arbuckle parecía tener posibilidades de volver a resurgir. Firmó un contrato con la Warner para dirigir 6 cortos cómicos en los que podría volver a usar su verdadero nombre. Al terminar de rodar el último de estos cortos, la Warner le ofreció un contrato para rodar un largometraje, algo que emocionó de sobremanera a Roscoe:

"Hoy es el día más feliz de mi vida"

Murió horas después.

Fue incinerado y sus cenizas dispersadas en el Océano Pacífico. En repetidas ocasiones Buster Keaton declaró que su amigo, Arbuckle, había muerto porque le habían roto el corazón.

Desde Solo Cine Clásico recomendamos sus siguientes películas:

A noise from the Deep (1913) de Mack Sennet, con Mabel Normand
The Butcher Boy (1917) de Roscoe Arbuckle, con Buster Keaton
Conney Island (1917) de Roscoe Arbuckle, con Buster Keaton
Out West (1918) de Roscoe Arbuckle, con Buster Keaton
Life of the Party (1920) de Joseph Henabery
Tomalio (1933) de Ray McCarery

Los Simpson en el Cine Clásico... Ciudadano Kane (Parte IV)

2009-09-28T17:28:00.004+02:00

CIUDADANO KANE/
SANGRIENTA ENEMISTAD, (4X22)
CIUDADANO BURNS, (5X04)

Con el post de hoy termina el especial de Los Simpson dedicado a "Citizien Kane". La semana que viene volveremos con otros títulos además de con un especial acerca del máximo responsable de la película mencionada, Orson Welles.

Los Simpson en el Cine Clásico... Ciudadano Kane (Parte III)

2009-09-22T14:40:00.003+02:00

CIUDADANO KANE/
MARGE CONSIGUE UN EMPLEO , (4X07)
DOS COCHES EN CADA GARAJE Y TRES OJOS EN CADA PEZ, (2X04)
UN TRANVÍA LLAMADO MARGE, (4X02)

La sección de esta semana:

Gracias a todos por vuestros comentarios y por seguir esta sección. Así da gusto, de verdad. La semana que viene la última entrega.

Los Simpson en el Cine Clásico... Ciudadano Kane (Parte II)

2009-09-16T11:56:00.004+02:00

CIUDADANO KANE/
CIUDADANO BURNS (5X04) y
MARGE CONSIGUE UN EMPLEO , (4X07)

Seguimos con el especial de los Simpson con referencia a la obra maestra de Orson Welles, Ciudadano Kane:

La semana que viene más, y aunque tengo una buena reserva de capítulos de Los Simpson esperando para esta sección, quería invitaros a participar recomendando algún capítulo en el que os diéseis cuenta de algún detalle curioso que pudiésemos subir al blog. Todos vuestros comentarios serán bien recibidos y agradecidos.

Los Simpson en el Cine Clásico... Ciudadano Kane (Parte I)

2009-09-07T18:50:00.009+02:00

CIUDADANO KANE/CIUDADANO BURNS (5X04)

Especial homenaje a la película que más números uno tiene en su poder. Citizen Kane, de Orson Welles, uno de los mayores visionarios que ha parido el cine y que os traigo de una vez por todas a solocineclásico. Además de la foto de la semana junto a la que fue su mujer, la espectacular Rita Hayworth, este especial de los Simpson durará exactamente un mes. Me llevará tres semanas poner el resto de recopilatorio de imágenes que he obtenido de los distintos capítulos que recuerdan la obra magna de Welles. Al final empezaré otro especial, esta vez a cerca de la vida del autor, al más puro estilo de la de Christopher Nolan que quizás algunos leísteis en mi otro blog.

Hasta la semana que viene!

Homenaje a Buster Keaton

2009-09-01T21:41:00.001+02:00

Hace ya algún tiempo, más del que me gustaria, pudimos ver el pequeño homenaje que la familia Cotillard habia hecho a Psyco.

Hoy os traigo un montaje alucinante de distintas escenas de películas y cortos de Buster Keaton al son de la magnífica música de Radiohead.

Saludos a todos!

Chicas del Cine Mudo: Mabel Normand (1892 - 1930)

2009-08-31T16:44:00.008+02:00

LA MÁS PROMINENTE CÓMICA DEL CINE MUDO

Al igual que ya he hecho con la sección de Los Simpson, mis disculpas una vez más por el abandono de esta, la cual es mi favorita. Mi interés por analizar y mostrar la otra vida menos conocida de las grandes estrellas del cine clásico, especialmente las chicas del cine mudo no se ha visto rebajado nada este verano... simplemente no se ha visto. Lo siento.

Hoy quiero volver a lo grande con una de las grandes, Mabel Ethelreid Normand, más conocida por Mabel Normand. Quiero hablaros de la que podría haber sido una de las mujeres con mayor éxito, poder y fama no solo del cine mudo, sino del cine en general. Pero como en muchos casos, esa racha de éxito y buena suerte se vio truncada por una serie de sucesos que fueron acabando poco a poco con nuestra protagonista hasta el día de su muerte, 37 años después de su nacimiento.

Al igual que otras muchas, Mabel tuvo que salir para delante ella sola como pudo. Nacio en Staten Island, Nueva York, pobre como las ratas. Su padre era un carpiterento que trabajaba muy de vez en cuando. A los 16 años empezó a trabajar como modelo de artistas de cine. Durante esa época fue descubierta por Mack Sennett con el que mantuvo una aventura durante años. Gracias a él conoció a uno de sus más importantes amistades, Charles Chaplin, con el que actuó y dirigió en alguno de sus primeros cortos. También fue una de las primeras en que lanzó una tarta a Roscoe Arbuckle. Se cree que fue durante esta época cuando se enganchó al alcohol y a los narcóticos. Pocos años después terminó su relación con Sennett y firmó un contrató con Samuel Goldwyn de 3500 dólares semanales. Llegó a abrir un estudio de cine en Culver City, California.

Al poco de dejar a Sennett, conoció al director William Desmond Taylor, el cual se convirtió en su amigo más intimo. Tenían muchas cosas en común, y una de ellas era la lectura. Pero he aquí donde empieza la cuesta en picado. La noche del 1 de febrero de 1922, la policía llegó a casa del director alertados por un aviso de que había sido asesinado. Cuando entraron en la casa no solo hallarón el cuerpo, sino a Mabel, la cual estaba registrando la casa. Lo que estaba buscando en realidad eran unas cartas de amor que ella había escrito a él, y que finalmente hallarón en una de las botas de montar de Taylor. La policía la colocó como principal sospechosa, no solo por su relación amorosa, sino por la afición de Mabel a las drogas y la firme oposición de estas por partes del director. La prensa ayudó a promover una campaña de desprestigio sobre Mabel, como casi siempre, la mayoría de lo que se escribió fue falso. Curiosamente, en 1964, la actriz Ella Gibson, en el lecho de muerte reconoció haber sido la que disparó a Taylor.

Pero no todo quedó ahí. Para desgracia de Mabel, dos años después, su chofer, Joe Kelly (un ex-presidiario llamado Horace Greer), disparó e hirió a Courtland Dines, amante de Taylor, con la pistola de Mabel.

En 1926 se casó con Lew Cody, al que conocía desde 1918. Mabel pasó un tiempo en varios sanatorios debido al fuerte deterioro que sufrió su salud.
Falleció de tuberculosis en 1930.

Solo Cine Clásico recomienda sus siguientes películas:

A Noise from the Deep (1913) de Mack Sennett
Tillie´s Punctured Romance (1914) de Mack Sennett

Y por supuesto os recomiendo el siguiente video. La escena con el león es alucinante, de verdad.

Los Simpson en el Cine Clásico... El señor Smith va a Washington

2009-08-31T16:13:00.003+02:00

EL SEÑOR SMITH VA A WASHINGTON/ LA FAMILIA VA A WASHINGTON (3x01)

Ante todo perdona lo abandonado que, por mi parte, ha estado este blog. Mis más sincero agradecimiento a Gine, Pabela, redna y Dialoguista por seguir ahí velando por el blog. Así da gusto.
Por otro lado reanudó la sección de Los Simpson en el Cine Clásico con nuevo material, ¿cómo no?
El de hoy no es más ni menos que un curioso homenaje a uno de los clásicos de Frank Capra, Mr. Smith goes to Washington, junto a su actor fetiche, el colosal James Stewart.

Hasta la semana que viene.

Películas - Años 40: El Hombre Lobo

2009-08-27T03:19:00.003+02:00

The Wolf Man (7/10)

Mientras servidora espera con bastantes ganas el remake de The Wolf Man... nada mejor que ver la original para introducirse más en el mundo de ficción en el que el licántropo es ese monstruo que vaga durante las noches de luna llena por los bosques aterrorizando a todo el pueblo. Sobre el remake ya he comentado en alguna entrada que estará protagonizado por Benicio del Toro, Hugo Weaving, Anthony Hopkins y Emily Blunt. Actualmente el film está en post-producción después de tener que rodar más escenas... y que hace poco se retrasó el estreno hasta 2010.

Pero mejor centrémonos en el film de 1941 dirigido por George Waggner. The Wolf Man es una cinta de terror en todo su sentido clásico. Un sentido que desgraciadamente se ha degenerado hasta extremos insospechados, hasta convertirse en un chiste de lo que era. Antes el terror no tenía porqué haber litros y litros de sangre, ni movimientos bruscos de cámara, ni subir el volumen para despertar al personal. Solo tenían que crear una historia interesante y misterio para atraer al público. No estoy muy metida en el cine de terror, pero lo poco que he visto, se sabía hasta el orden en que morían los personajes a lo largo del film. Unas películas en que el malo parece muy listo y los buenos muy tontos.

Pero vamos a la historia del licántropo. The Wolf Man empieza con el retorno del hijo pródigo de Estados Unidos, Larry Talbot. Los Talbot son una de las sagas familiares más conocidas de Gales y gozan de gran popularidad en las altas esferas. Mirando por un telescopio, Larry encontrará a Gwen, una chica que trabaja en la tienda de su padre. Una noche, en medio de la feria situada a las afueras del pueblo, Larry y Gwen se verán sorprendidos por un misterioso y terrorífico monstruo. Al luchar heroicamente para proteger a Gwen, Larry es mordido por esa extraña criatura. Larry empezará a experimentar cambios y descubrirá que se ha convertido en un hombre lobo y que por las noches pierde el control y se va a buscar alguna presa fácil. Esas circunstancias provocarán que nuestro protagonista se vea obligado a alejarse de Gwen para no hacerle daño.

Esta clásica historia, no tiene giros argumentales, ni complicaciones, a base de un guión sencillo y bien estructurado nos presenta una historia, nos la desarrolla y al final nos la cierra de manera ejemplar. Lejos de hacer un alarde de efectos visuales, en el film prima la historia, la cual da importancia a esa eterna dualidad entre el bien y el mal. El personaje de Larry Talbot sigue el ideal romántico, también presente a lo largo de toda la historia. Un personaje que poco a poco se convierte en un pelígro, en un marginado de la sociedad por ser diferente, un jorobado de notre-dame, un fantasma de la ópera. Un personaje al que le es imposible conectar con el mundo porqué es diferente. Un personaje que se ve obligado a perder todo lo conseguido hasta el momento y todos sus objetivos, obligado a olvidar a la persona que quiere y a la absoluta soledad.

Lon Chaney Jr. es el encargado de llevar a acabo este rol de protagonista solitario y torturado por el mundo que le ha tocado vivir interpretando a Larry Talbot, y aunque para mí no llega al nivel de su padre, apodado por su versatilidad el hombre de las 1000 caras, si nos ofrece un notable trabajo. A Lon Chaney Jr le acompañan Claude Rains como John Talbot, padre de Larry, Warren William como Dr. Loyd, Ralph Bellamy, Patric Knowles, Bela Lugosi como el misterioso feriante, Maria Ouspenskaya interpretando a la zíngara, Evelyn Ankers, J.M. Kerrigan, Fay Helm y Forrester Harvey.

El film además cuenta con una muy buena fotografía de Joseph A. Valentine en b/n que resulta imprescindible para que el film acabe transmitiendo esa atmosfera oscura, trágica y misteriosa, una ambientación que se acaba convirtiendo casi como un personaje más.

Como conclusión, no será el mejor clásico, pero hoy en día que parece que no sale ningún producto decente de terror, como mínimo no de este tipo de terror es más que interesante echarle un vistazo a esta película.

Películas - Años 20: El Moderno Sherlock

2009-08-07T13:59:00.007+02:00

SHERLOCK, Jr (10/10)

En 1991, Sherlock, Jr. fue seleccionada por la librería del Congreso de los EE.UU para intregrar el registro Nacional de Films por ser "obra culta, histórica y estéticamente significante". En el 2000, lo fue por el Instituto de cine americano para la lista de las mejores 100 comedias; y es que viendo este tercer film de Buster Keaton, dirigido además por él y escrito por Clyde Bruckman, Jean Havez y Joseph A. Mitchell uno no puede menos que aplaudir de pie sea donde sea que la disfrutemos. En apenitas 44 minutos, este tesoro que solo un maestro como Keaton podía brindar, nos cuenta una historia tan surrealista como su protagonista.

Keaton es un muchacho que trabaja proyectando films en el cine del barrio pero sueña con convertirse en el mejor de los detectives privados. Pretende- en competencia con un descarado ladrón- a una hermosa joven, Kathryn McGuire cuyo padre, Joe Keaton (el mismo padre de Buster) echará de su casa tras una cruel treta del villano. Desanimado Keaton volverá a su trabajo para sucumbir a un sueño pesado que lo trasladará a la pantalla y lo hará soñar con ser el detective más inteligente del mundo.
El cine dentro del cine, la ficción y la realidad entremezcladas; recursos que tantos otros films han tomado de este artista sin par.

Pero lo que tiene realmente de valorable esta gema del cine clásico, es la extraordinaria edición de las escenas que para la época eran casi impensables. Si a nuestros modernos y tecnologizados ojos nos sorprende, no imagino el espasmo emocional que muchos habrán sentido el día de su estreno. Escenas de riesgo mostradas con gracia extrema, sí, uno no puede dejar de reírse, pero que sin duda podrían competir equitativamente con muchas de las que hoy nos brinda el cine con sus puntillosos cuidados y dobles de riesgo. Vean dos datos asombrosos: la escena del tren donde Keaton termina sostenido de un caño, resbalando y posteriormente cayendo por el efecto de un tremendo chorro de agua al suelo , le provocó una lesión en el cuello que años más tarde fue diagnosticado como consecuencia de las tremendas jaquecas que el pobre Buster sufría a diario. Y el mismo Keaton, reemplazó a Erwin Connelly en la escena de la caída de la motocicleta. ¡Increíble!, ¿verdad?.

El film que no economiza en gracia, estética y acción cuanta con un sin número de brillantes momentos que difícilmente se nos borrarán de la memoria: la impecable coreográfica persecución a pie de Keaton al villano, Ward Crane; el escape a través de una ventana en la que queda vestido de vieja, son garantía de una media hora y pico de cautivante creatividad en el cine. Una oportunidad única y fascinante de entrar por la puerta grande del cine clásico para aquellos que no lo cultivan.

Películas - Años 60: El Hombre que Mató a Liberty Valance (1962)

2009-07-03T18:06:00.002+02:00

THE MAN WHO SHOT LIBERTY VALANCE (9/10)

El Western es un género aun muy desconocido para mí, es un género que a priori no me sentía atraída, mucha arena, muchos animales, tabernas ruidosas, hombres sucios... pero claro no iba a dejar de verlos por cuatro prejuicios que tenía, y más viendo las obras maestras que hay en dicho género que tantas alegrías les ha dado a los americanos y que ahora parece que Ford, Hawks, Walsh, Wellman, Mann y los otros se han llevado el secreto a la tumba... y es que solo Eastwood ha sido capaz de revivirlo en condiciones en Sin Perdón (1992). Así que este verano pienso poner remedio a esto... y nada mejor que empezar por esta película: El hombre que mató a Liberty Valance un peliculón, uno de los mejores westerns con uno de sus máximos exponentes detrás de las cámaras: John Ford, y unos cuantos delante: James Steward, Lee Marvin y John Wayne.

Ransom Stoddard y su esposa llegan en tren a Shinbone, un pequeño pueblo de Arizona. Hubo un tiempo en que fueron muy conocidos, ellos y los demás habitantes del pueblo, antes de aparecer el ferrocarril, todos eran vecinos, ahora años después nadie se acuerda de unos acontecimientos que fueron claves para la historia de ese pequeño pueblo. Unos acontecimientos que como demuestra la última escena se convirtieron en leyenda, una historia de la que es complicado saber cuanto hay de verdad y cuando de inventado. Stoddard y su esposa no llegan por casualidad a Shinbone, llegan para ir a un entierro, el entierro de Tom Doniphan. Quién es ese? - pregunta el joven e ingenue periodista. Y para eso Stoddard, prestigioso senador de USA empieza a contar una historia que dejará a todos perplejos. La historia de como Liberty Valance y sus secuaces tenían atemorizado a todo el pueblo. La historia de Ransom Stoddard un joven abogado, idealista, que cree en la democracia, en la necesidad de abolir las leyes de los pistoleros y los cowboy, para instaurar una democracia segura donde nadie es inferior a nadie. Pero ya se sabe que no es fácil hacer cambiar la mentalidad de un pequeño pueblo y más si actuan por miedo a Valance. Pero Stoddard tendrá un gran apoyo, Tom Doniphan un hombre conservador que le cuenta a Stoddard que no es tan fácil como se cree, que le pone los pies en el suelo. Pero las firmes ideas del joven Ransom Stoddard convencerán a todo el pueblo y producirán el inevitable enfrentamiento entre viejos ideales y los cambios inevitables, Stoddard contra Valance.

La historia no es demasiado original, pero si está muy bien construida, los silencios en los momentos justos, las palabras justas, y una banda sonora que acentúa los momentos de tensión que hay muchos. Las secuencias de acción no son muchas pero están bien repartidas para imprimirle un buen ritmo al film, cosa que no se puede decir de la mayoría que simplemente se reservan para la media hora final.

Junto con la firme y buenísima dirección de John Ford, las interpretaciones consiguen darle muchísima fuerza al film y es que a parte de un reparto con personajes bastante arquetipados que cumplen su cometido a la perfección, como por ejemplo: Edmond O'Brian interpreta a Dutton Peabody, un periodista borracho que no quiere responsabilidades, Andy Devine interpreta al Sheriff del pueblo un hombre covarde, que siempre se esconde y solo aparece para llenar su estómago, Woody Scott que interpreta a Pompey y que sufre racismo - aunque es un tema que se toca muy por encima, y por último Vera Miles que es la chica de la que está enamorado el rudo Tom Doniphan y que acaba casada con Stoddard. En el film también vemos la aparición de un joven Lee Van Cleef, interpretando a la mano derecha de Liberty Valance que después se convertiría en alguno de los villanos más célebres de los westerns, y de los Spaguetti Western como en El Bueno, El Malo y el Feo. Lee Marvin interpreta a un inolvidable Liberty Valance, un hombre que se toma la ley por su propia mano, que se cree que con una pistola puede derrotar a todos. Un hombre sin escrúpulos que sigue sus propios principios que lo acabarán llevando a la tumba. James Stewart demuestra que es capaz de intepretar el mismo tipo encantador que enamoraba a todo el mundo en las deliciosas películas de Capra en medio del viejo Oeste. Y es que cada vez estoy más convencida que James Stewart creó escuela, es de esos actores que siempre interpreta al mismo personaje pero que nunca hace una mala interpretación... actualmente en este grupo encontrariamos a Morgan Freeman o a Jack Nicholson... Sea como sea James Stewart hace lo que mejor sabe, dar vida a un joven idealista, que hace apología a la democracia estadounidense e intenta cambiar las viejas costumbres desde abajo, siendo un pobre lavaplatos y dando clases al pueblo para que lo apoyen antes de ejercer la abogacía, antes de convertirse en un importante senador americano. Y por último está John Wayne, el rey del western, que interpreta a Tom Doniphon, un tipo duro, práctico que aunque es consciente de que las cosas tarde o temprano van a cambiar, no le importa que se queden como estén. Para mí la mejor interpretación del film es la de John Wayne, pero eso es simple opinión muy subjetiva (los tres protagonistas están perfectos dándoles variados matices a sus personajes) quizás porqué la historia está contada desde el punto de vista del personaje de Stewart y él aparece menos, quizás porqué parece ser el personaje más misterioso, porqué nos falta información (¿por qué deja tan fácilmente a su amor a su compañero sin luchar por ella?...). ¿Porqué no le pongo el 10? Esta vez si tengo respuesta... y es que aunque es un peliculón como la copa de un pino, por momentos parece que nos intente vender la democracia americana como la mejor del mundo, como si quisieran hacer un panfleto publicitario en cubierto... es lo único que me sobra.

Como conclusión, un gran western, uno de los mejores, con tres actorazos de la talla de Lee Marvin (en Paint Your Wagon también está que se sale) y James Stewart y John Wayne que no necesitan ningún tipo de presentación. Todos ellos bajo la batuta del tipo cuya película le quitó el Oscar a Ciudadano Kane, bajo la batuta de John Ford. IMPRESCINDIBLE.

Películas- Años 30: Sombrero de copa (1935)

2009-06-30T16:35:00.008+02:00

Top Hat (7/10)

Cuando uno piensa en musicales del cine clásico es imposible que no salten a la luz el nombre de Fred Astaire y Ginger Rogers, una pareja que supo cómo generar una química inigualable a la hora de bailar y que no en vano tuvo más de 10 títulos en su haber. Sombrero de copa, dirigida por Mark Sandrich y basada en una obra de teatro, The Girl Who Dared, escrita por Alexander Farago y Aladar Laszlo fue el primer film guionado específicamente para la pareja como protagonista.

Esta comedia musical, lujosa, exuberante en escenarios y vestuario, tiene un porqué: la gran Depresión. Desempleo, crisis económica, el film era una mirada disfrazadamente ácida sobre la clase alta norteamericana de entonces a quien se le echaba mayor culpa de esta situación económica. Los clubs exclusivos, los hoteles lujosos, la posibilidad de viajes al exterior, los grandes números musicales de entonces, no faltan en una película que argumentalmente no cuenta más que lo que contaban por lo general todas las comedias de la época: Dale (Ginger Rogers) es una joven soltera que tiene tratos comerciales con un exclusivo diseñador de la época, alojada en uno de los mejores hoteles de Londres conoce casi por casualidad a Jerry Travers (Fred Astaire), un bailarín que dará una función especial en el hotel producida por su amigo Horace Hardwick (Edward E. Horton). Con una intrincada confusión de identidades, la comedia romántica abordará un cruce de equivocaciones cuyo deleite real no es otro que las actuaciones de los personajes, sobretodo los del mayordomo Bates (Eric Blore) y el diseñador Alberto Beddini (Erik Rhodes).

Si ha de disfrutarse algo en este film es desde ya dos de los bailes más consagratorios y fascinantes de esta pareja: Isn't This a Lovely Day? y Cheek to Cheek, ambos temas compuestos por Irving Berlin quien se transformaría no solo en un invalorable amigo de Astaire sino en su mano derecha para la composición de los Films posteriores del artista. Tanto éxito tuvo el film que recaudó una suma de dinero tal que ayudó a la RKO a salir de una inminente bancarrota. Los escenarios, los más grandes construidos hasta entonces en esa productora, son de un impacto visual tremendo, con un lujo de detalle inimaginable para la época. El set montado de los canales venecianos, por ejemplo, abarcaba más de la longitud normal de una calle (300 pies o 100 metros) y las aguas fueron específicamente teñidas de negro para contrastar con el blanco restante de todo el montaje.

En cuanto a premiaciones, fue nominada a 4 Oscars ese año sin llevarse finalmente ninguno, pero considerando el éxito y la recaudación no pareció importarle a la RKO en absoluto. Merecidísimo hubiese sido aunque sea al de mejor tema musical que tanto fue emulado en Films posteriores; por ejemplo en “Milagros inesperados” cuando el pobre convicto pide como último deseo antes de su ejecución ver un film pues nunca había estado en un cine.

Sombrero de copa, es de por sí, el film más taquillero de la época; pero también el más valorado a la hora de recordar a Astaire y Rogers contando y bailando. Ambas coreografías, antes nombradas, son de una perfección singular, filmadas de una sola toma como siempre exigía Fred Astaire, encargado del planeamiento de las mismas y de una calidad desbordante para transmitir ese amor a la danza. Y pensar que la RKO en el primer casting del actor reportó: “ no sabe cantar, no sabe actuar, algo baila”.